Als eines Tages ein Sturm das Boot der beiden Lieferanten zum Kentern bringt, kann Mason nur noch die verletzte Jessie retten. Er ruft danach keine Polizei oder Rettung, sondern kauft selbst Materialien und kümmert sich um sie. Kurze Zeit später kommt plötzlich ein Boot bei Masons zu Hause an und an Bord befindet sich eine Spezialeinheit…

Regisseur Ric Roman Waugh hat zuletzt vier mal mit Gerard Butler als Hauptdarsteller zusammen gearbeitet (etwa bei Angel Has Fallen oder Greenland). Nun hat er seinen Star gegen einen anderen Action-Helden getauscht. Das Poster hat mich dann an meine Jugend erinnert, da stand auf Filmpostern noch einfach „Schwarzenegger“ oder „Stallone“, denn das war genau der Grund, warum man den jeweiligen Film sehen wollte.

Hier steht nun „Statham“ oben und wie ich bereits bei seinem letzten Film A Working Man erwähnt habe, ist dies natürlich die bekannte Statham-Formel. Das bietet aus meiner Sicht aber keine Angriffsfläche, sondern erfüllt einfach nur die Erwartungshaltung. Steht Milch oben, ist (hoffentlich) auch…ach ich glaube ihr versteht mich schon. Fast schon ironisch ist dabei eine bestimmte Tatsache und zwar dass sich hier ein gewisser neuer Faktor hinzu mischt, den jemand anders sehr gemolken hat die letzten Jahre.

Ich nenne ihn mal den Liam Neeson Modus – aka ein alternder Antiheld, der eine letzte Chance auf Wiedergutmachung bekommt. Vielleicht ist es ja der gräuliche Bart aber Statham hat noch nie so sehr seinem Alter entsprechend ausgesehen, immerhin wird er nächstes Jahr auch schon 60 Jahre alt. Was ich damit aber nicht sagen will, ist dass er in seinen Kampfszenen so wirken würde, als könnte er nicht mehr mit seinen jüngeren Gegnern umgehen.

Hier zeigt er eine gewisse Reife und Verletzlichkeit, die seine „Ein-Mann-Armee“ Persona, sonst eher selten an den Tag legt. Was vor allem an der Dynamik liegt, die er mit seinem Schützling Lucy an den Tag legt. Was zunächst fast so wirkt, als würde er sie gefangen halten, entwickelt sich zu einer emotionalen Reise für die beiden. Er kann dabei mit mit seiner Vergangenheit abschließen und sie lernt, an Verlusten nicht zu zerbrechen, sondern durch sie stärker zu werden bzw. an ihnen zu wachsen.

Genau das ist es dann auch, dass diesen Statham doch besonders macht. Bei The Beekeeper zuletzt waren einfach die Aktionen cool, die Sprüche lässig und die Action hat gefetzt. Hier gibt es solche Momente ebenso, aber vor allem beim finalen Kampf – der nicht im Vordergrund steht, sondern eher erledigt werden muss, weil es ja vorrangig um die Rettung des Mädchens geht – merkt man, dass Action „nur“ die zweite Rolle hat.

Bodhi Rae Breathnach (Hamnet) als Jessie ist dabei richtig gut, so schön ehrlich und roh von den Gefühlen her und sehr clever und direkt, was ihre Beobachtungen und Aussagen betrifft. Damit dringt sie sogar durch Masons unzerstörbare Hülle durch und ich habe bei Statham ehrlich gesagt noch nie gesehen, dass er so väterlich beschützende Schwingungen abgibt. Dass alle anderen Figuren durchgängig egal sind, ist dabei fast schon logisch.

Ergibt in Summe einen Statham, der von Schusswechsel über Verfolgungsjagd und Nahkampf einerseits genau das liefert, was man erwartet. Auf der anderen Seite bekommt man unerwartet eine emotionale Entwicklung eines Mädchens mit, das Alles verloren hat und man sieht die weicheren Seiten eines harten Hundes, die er so nie zugeben würde. Die coolen Bilder habe ich erwartet, dass mir die beiden Protagonisten nicht egal waren, ist hier die positive Überraschung.

„Shelter“ bekommt von mir 7/10 „gemeinsam kompliziert“, „alleine einfach“ vorziehende Empfehlungspunkte.

Natürlich glaubt Marty per se niemand, auch wenn Onkel Red (Gary Busey) immerhin zuhört und die Geschichte von Marty über einen Werwolf zumindest für möglich, wenn auch unwahrscheinlich hält. Red ist es auch, der Marty einen motorisierten Rollstuhl schenkt, der wie ein Motorrad funktioniert und den Marty auf den Namen „Silver Bullet“ tauft. Passend.

Als dann Marty eines nachts allein unterwegs ist, weil er sein Feuerwerk für den 4. Juli selbst veranstalten will, da wird er direkt mit dem Bösen konfrontiert und er kann nicht glauben, wer hinter der Maske des Werwolfs steckt …

„Silver Bullet“, wie der Film im Original heißt bzw. „Der Werwolf von Tarker Mills“ ist ursprünglich eine Kalendergeschichte von Stephen King gewesen. Ich bin mir nicht mehr sicher, was zuerst kam – der Film oder die Geschichte, glaube mich aber daran zu erinnern, dass es die Geschichte war (hab gegoogelt – 1984 kam die Geschichte, 1985 der Film). Ich kannte sie in erster Linie aus einer Kurzgeschichten-Sammlung von Stephen King, in welcher er auch ein wenig über die Entstehung der Geschichte geschrieben hat. Ich muss gestehen, ich liebe Vorworte und Nachworte von Stephen King – der Mann kommt da immer extrem sympathisch rüber. So auch hier. In diesem Vorwort hat er sich zB dafür entschuldigt, dass er sich bzgl. des Vollmonds ein paar Freiheiten genommen hat, denn dass der Vollmond immer an den „Feiertagen“ im Monat am Nachthimmel steht, ist in der Realität natürlich mathematisch unmöglich. Aber da es ja eine Kalendergeschichte ist, muss man als Schriftsteller die Chance, jeden Monat ein Kapitel zu einem besondern Tag zu schreiben, natürlich nutzen. Mich hat’s nie gestört und die Geschichte fand ich auch immer spannend.

Für den Film ist das natürlich völlig egal, denn da werden solche Sachen einfach als fix angenommen und Punkt. Dass das Drehbuch für den Film auch von King stammt finde ich in diesem Fall gut (ging ja nicht immer glatt, wenn wir uns ehrlich sind), denn er hat die Geschichte auf ihre Basisbestandteile reduziert und die Figuren sind gut übertragen.

Der Sympathieträger des Films ist mit Sicherheit Onkel Red, der von Gary Busey absolut toll gespielt wird. Immer mit so einem neckischen Zwinkern im Auge, Bierbauch und Hemden und dem speziellen Gary Busey-Grinsen dabei. Ich mochte die Figur unglaublich gern, auch, weil er einfach derjenige ist, der Marty immer für voll nimmt und ihn aufgrund seiner Lähmung auch nicht mitleidig behandelt, sondern einfach wie einen vollwertigen Gesprächspartner (was nicht alle im Film machen).

„Marty“ ist immer noch im Filmgeschäft, wenn auch immer ohne großen Durchbruch, so war zumindest auch bei „Crank 2“ dabei oder „The Lost Boys“. Und nein, er ist nicht wirklich gelähmt, was – hätte man den Film im Jahr 2026 so produziert – vermutlich dazu geführt hätte, dass es einen riesengroßen Aufschrei gegeben hätte, denn Corey Haim hat da ja sozusagen einem gelähmten Schauspieler eine Rolle weggeschnappt. Der Böse. (*seufz*)

Jedenfalls machen alle ihren Job gut und in den Nebenrollen findet man das eine oder andere bekannte Gesicht.

Die Effekte sind schwer in Ordnung und sehen auch im Jahr 2026 noch okay aus – ja, die Verwandlungsszene(n) sind jetzt nicht der große Bringer und heutzutage hat man da natürlich schon ganz anderes gesehen, aber es ist okay, und es passt und der Anteil an Blut und abgetrennten Gliedmaßen ist für damalige Verhältnisse nicht ohne.

Die Auflösung, wer der Werwolf ist, überrascht wohl niemanden, immerhin ist es ein Stephen King-Buch. Es wird im Film (als auch im Buch) relativ rasch offenbart, weil es dann primär darum geht, die anderen davon zu überzeugen, dass diese Person der Übeltäter ist. Was auch zu der einen oder anderen Konfrontation in Menschengestalt führt.

Jedenfalls ist der Film auch heutzutage immer noch gut anzusehen und macht Laune – die gesamte Machart ruft halt ganz laut „80iger Jahre“, aber das gibt dem Film in diesem Fall auch einen gewissen Charme.

Alles in allem finde ich „Silver Bullet“ als einen der besseren ernsten Werwolf-Filme, der noch ohne große Übertreibungen und Weltbedrohung auskommt, sondern sich auf das Schicksal einer kleinen Stadt bzw. eine Familie reduziert, was ja auch einfach wieder einmal gut tut.

„Silver Bullet“ bzw. „Der Werwolf von Tarker Mills“ bekommt von mir 7 von 10 möglichen, mit dem Rollstuhl davonrasende, Punkte.

Violet Sinclair wurde entführt. Aber sie weiß es nicht mehr. Sechs Jahre nach dem Tag an dem sie aus dem Dimensionstor gestiegen ist, hat sie sich an das Leben auf der Kolonie gewöhnt. Die Erde existiert angeblich nicht mehr. Violet wurde hierherg geholt, um Kinder zu gebähren, damit die Menschheit überleben kann. Und sie ist nicht die einzige. Warum aber seltsamerweise immer mehr Kinder auftauchen, die reptilienhafte Augen haben, ist verwirrend. Vielleicht eine Art Virus oder Mutation?

Eines Tages wacht Violet auf, weil eine Freundin gegen ihre Schlafkammer klopft, aber bevor sie noch etwas erklären kann, wird sie brutal fortgerissen und nur noch Schreie sind zu hören. Scarlett kann sich aus ihrem Pod befreien und stellt fest, dass die Alarmsirenen heulen – Dinosaurier sind in der Station und fallen Menschen an. Über das Funkgerät eines toten Wachsoldaten kann sie schließlich Kontakt mit Jason aufnehmen, der einen Plan hat, zu entkommen.

Also reißt sich Violet am Riemen, packt die Waffen, die sie findet ein und macht sich auf den Weg, um Jason zu treffen und aus der Station zu entkommen. Völlig egal wie viele und welche Dinosaurier sich ihr in den Weg stellen …

Da haben wir es also: Das schlechteste Spiel aller Zeiten. Zumindest, wenn man den ganzen Leuten im Internet glaubt. Auch diverse „seriöse“ Gaming-Journalist:innen überschlagen sich gerade, um das Spiel zu zerlegen. Weil so unglaublich schlecht ist.

Finde ich spannend.

Was ich mich frage, ist: Warum muss man Dinge erfinden, die nicht stimmen, um ein Spiel schlecht zu machen? Wenn es wirklich so schlimm ist, dann sollte man doch wohl bei der Wahrheit bleiben und einfach schreiben können, was man erlebt hat, oder nicht? Sowas finde ich immer wieder irre.

Beispiele?

Auf einer sehr bekannte Seite für Playstation-Spiele schreibt der Kritiker, dass Violet in ihrer Unterwäsche aufwacht – ihre Kleidung befinde sich am anderen Ende der Station, weshalb man quasi die halbe Station durchqueren müsse, damit sie endlich „was anhat“. Er überlegt dann weiter, dass das ja bedeuten würde, dass sie am anderen Ende der Station quasi Zähneputzen und sich ausziehen muss, dann in ihrer Unterwäsche ans andere Ende der Station (die groß ist) gehen muss, um sich ins Bett zu legen. Aja. Danke für diese wichtige Überlegung.

Wie kommt man auf sowas?

Noch dazu ist es völliger Schwachsinn. Die „normale“ Kleidung, die Violet am anderen Ende der Station holt ist ein Kampfanzug(!), den sie aufgrund der neuen Situation braucht. In Unterwäsche läuft sie am Anfang herum, weil sie durch einen verdammten Raptorenangriff aus dem Schlaf gerissen wurde und fliehen musste.

Ist es plakativ, die Hauptdarstellerin die erste Stunde (oder länger) in Unterwäsche herumlaufen zu lassen und ihren gut gebauten Körper zu präsentieren? Oder dass die erste Kameraperspektive inkl. Kamerafahrt so ausgerichtet ist, dass ihr Dekolleté und ihre Brüste sehr gut ins Bild gerückt sind? Ja. Absolut. Aber das ist auch nicht schlimmer als Eves „Aussteigen“ aus ihrem Pod in „Stellar Blade„.

Es gibt noch eine zweite Sache, die ich schräg finde (gleicher Artikel): Es gibt grob 20 Outfits, die man im Spiel freischalten kann (die keine Auswirkungen auf irgendwas haben, von der Optik abgesehen) und ja, viele davon sind sehr figurbetont und zeigen viel nackte Haut. Der Kritiker schreibt, dass das die Seriösität der Story kaputtmachen würde, weil zB bei einer tragischen Szene die Kamera zurückfährt und man dann Violet in einem Cowboy-Kostüm sieht, inklusive „ausgeschnittener Pobacken“ bei der Hose.

Also zuerst einmal: Das Outfit ist nicht Teil der Story und sagt mehr über den Kritiker aus als über das Spiel (zur Info: Die meisten Outfits passen NULL in die Story oder die Atmosphäre des Spiels, machen teilweise sogar die Immersion kaputt. Sie sehen gut aus, klar, aber ich hab mich relativ rasch auf den Anzug, den man am Anfang holt festgelegt – der passt einfach perfekt zum Setting (für die pingeligen Leser:innen: Ja, beim Bild oben hat sie etwas anderes an). Zum anderen wird Violets Optik in den Cutscenes nicht(!) an die Kleidungsauswahl angepasst. Heißt: Egal, was man(n) ihr anzieht: Sie hat in den Zwischensequenzen immer den Anzug vom Anfang an. Also auch hier wieder: Warum muss man sowas erfinden?

Das kotzt mich an. Echt.

Oder eine bekannte YouTuberin namens Vera irgendwas, die sich über das Kommentar von Teamkill Media (die das Spiel gemacht haben) beschwert, dass sie das Spiel nicht auf den PC portieren werden, weil sie nicht wollen, dass Modder ihre Figur in vulgären Szenen oder so zeigen (ich nehme an, sie meinen Nackt-Patches und so Zeug). Sie prangert an, dass die Typen ja ohnehin ihre Figur extrem sexuell in Szene setzen.

Ich sag nur: Das kann schon sein, Vera, dass die Jungs die Optik und den guten Körperbau sehr betonen – aber das wurde vermutlich mit der Synchronsprecherin vorher abgesprochen und es war okay für sie. Jemanden „sexy“ aussehen zu lassen, ist etwas anderes wie vulgär zu sein. Wenn du das nicht verstehst, dann brauchen wir da nicht weiter drüber zu reden.

Ich wiederhole: So ein Mist kotzt mich einfach an. Clickbait. Es niedermachen, einfach weil es gerade „in“ ist. Auch bei vielen anderen Reviews lese ich von Dingen, die (ich hab’s durchgespielt und hab gerade das New Game+ begonnen) im Spiel einfach nicht vorkommen.

Gleichzeitig wirft man den Machern (korrekterweise, wie ich anführen muss) vor, sie hätten ihr Spiel bewusst überzeichnet beworben. Und ja, es gibt mehrere Trailer, die scheinbar aus älteren Builds stammen, aus denen es Szenen nicht ins Spiel geschafft haben. Und die Optik von Violet und anderen Figuren hat sich auch nochmals drastisch im Vergleich zu machen Ankündigungsvideos verändert. Aber das ist doch alles nicht neu und kommt immer wieder vor. Und es ist kein Freifahrtschein um selbst zu lügen.

Vor allem, weil das Spiel an sich einfach nur das ist: Ein Spiel. Ohne dieses ganze Gebashe wäre es vermutlich völlig untergegangen und hätte keinen Menschen gejuckt. Also was soll das? Ich check es nicht. All diese ganzen präpotenten, von Klicks abhängigen, Profi-Zerleger. Ich kann die alle nicht mehr hören. Mühsam. Einfach mühsam.

Ist „Code Violet“ also in meinen Augen ein großartiges Spiel? Nein. Sicher nicht. Ist es ein neues „Dino Crisis“? Naja. Es kommen Dinos drin vor. Wenn das reicht, dann ja. Sonst nicht. Hat es irgendwas, was es von anderen AA-Produktionen abhebt? Nein, außer den Dinos und Violets Optik nicht. Aha – es hat keine Innovationen und erreicht nicht die Qualität eines über zwanzig Jahre alten Spiels, das aus Nostalgiegründen gefeiert wird (damals hatte es eine Durchschnittswertung von 60%)? Oh Nein. Böses, böses, böses Spiel. Was hast du dir dabei gedacht?

*kopfschüttel*

Naja, dann mal zum Spiel selbst: „Code Violet“ ist ein Third-Person-Game, in welchem ihr streng linear durch mehrere Anlagen und dazwischen kurze Außenwelten in Gestalt von Violet Sinclair marschiert, joggt oder schleicht, während euch immer wieder mal Dinos (meistens Raptoren) über den Weg laufen, die ihr in relativen kurzen Gefechten mit verschiedenen Waffen wegputzen müsst. Die Atomsphäre ist düster und bedrohlich, die Umgebungen variieren jedoch relativ wenig. Man merkt, dass die Macher sich bemüht haben ein wenig optische Abwechslung in die Anlagen zu bringen (eine ist eher gotisch angehaucht, eine andere modern-steril, eine andere kaputt und verschlissen), aber eine Sache stimmt völlig: Man ist meistens in relativ engen Gängen unterwegs, öffnet Türen, sammelt Ressourcen, löst Mini-Rätsel oder sucht Teile, um diverse Türen zu öffenen oder pumpt Wasser ab, um bestimmte Bereiche zu betreten und so weiter.

Alles nicht neu, aber für mich stimmig und eigentlich gut gemacht. Die Belichtung stimmt (auch wenn ich das Spiel in Summe als zu dunkel empfinde, ich hab Gamma raufdrehen müssen) und das Spiel mit Dunkelheit und den Schatten gelingt gut. Was richtig gut funktioniert ist meiner Ansicht nach die Soundkulisse, denn die lässt auch oft mal einfach Stille wirken. Bedrückende und bedrohliche Stille. Dann hört man wieder von irgendwoher einen Dino schreien und hofft, dass er nicht im nächsten Raum ist, denn Munition ist teilweise rar. Außerdem gibt es Giftspritzer-Dinos – für die muss man ein Gegengift im Inventar haben und der Platz da drin ist sehr beschränkt.

Die Außenwelten sind keine Grafikkracher, aber vom Design her wirklich gut gelungen – wenn man in der Ferne schwebende Inseln sieht oder Wasserfälle vorbeirauschen – ja, es ist kein grafischer Meilenstein in Summe und das Design bzw. die Optik der Gegenden wird auch keinen Innovationspreis gewinnen, aber für ein Team bestehend aus vier(!) Personen – alle Achtung. Respekt. Wirklich.

Das Gameplay funktioniert, ich hatte keinen einzigen(!) Bug und zwei Tage nach Veröffentlichung gab es sogar schon einen Patch, der die schwarzen Balken oben und unten entfernt und endlich Vollbild eingeführt hat. Ja, hin und wieder gibt es Clipping-Fehler, zum Beispiel sieht man Dinokrallen oder -schwänze durch die Türen oder so Zeug, aber nichts davon ist wirklich schlimm, wie ich finde.

Die Story hat gute Ansätze, wird aber leider supoptimal erzählt. Da müssen die Jungs noch üben, wirklich. Die Inszenierung mancher Szene ist 1A, leider können die Animationen der Gesichter mit der Emotion die vermittelt werden soll und von den Sprecher:innen (allen voran Alaina Wis) sehr gut bis gut vermittelt werden, nicht mithalten. Aber auch hier: Ein Team aus 4 (vier!) Personen. Erneut: Respekt.

Was ich leider schon anmerken muss, sind zwei Dinge, die mich gestört haben. Zum einen gibt es zwei Passagen, die ich aufgrund der Steuerung (Wasser-Rutsche) und aufgrund der Belichtung (T-Rex-Jagd) wirklich mühsam fand. Hätte cool werden können, fand ich aber wirklich einfach anstrengend. Da wäre mehr drin gewesen. Abwechslung ist eine gute Idee, aber dann bitte zumindest stimmig einbauen.

Die zweite Sache bezieht sich auf die Inszenierung von Szenen: Es gibt relativ früh eine Szene in der man durch einen Glasgang geht, umgeben von Wasser. Der bricht, Wasser bricht herein und Violet wird weggespült. Cut. Violet steht am anderen Ende des Gangs (wo man ja hinwollte) und die Tür hinter ihr – also in Richtung des „überfluteten“ Gangs – ist offen. Nur ist da kein Wasser drin. Es wäre doch nicht schwer gewesen, einerseits die Tür zu schließen und andererseits die Cutscene vielleicht so auszubauen, dass Violet rausgeschwemmt wird, mit Müh und Not die Türtaste zum Verschließen drücken kann und so gerettet wird, oder?

Und eine zweite Szene in der Violet von Jason vor einem hybriden Wesen gerettet wird indem er eine Tür kurzschließt – sie öffnet sich, Violet fällt Jason entgegen und die Tür geht wieder zu. Dann steht Violet auf und – Jason ist weg. Man hört Jason über Funk sagen, dass er die Tür nicht mehr aufbekommt, er also auf der anderen Seite (der Kuppel, nicht der Tür) gefangen ist und sie sich an Punkt X wieder treffen werden. WTF? Violet ist doch gerade dort rausgekommen wo Jason stand? Auch hier hätte man meiner Ansicht nach relativ leicht korrigierend eingreifen können. Das sind schon richtige Patzer.

Aber – erneut erneut – ein Team aus vier (4!) Personen.

Alles in allem – mir hat’s gefallen. Mit allen Abstrichen und allem Trash-Charme, den es vermittelt. Gibt es Luft nach oben? Sicher. Haben die Macher ihr Spiel ein wenig zu optimistisch beworben? Mit Sicherheit. Aber niemand der auch nur einen Gameplay-Trailer gesehen hat, hat doch bitte ernsthaft geglaubt, dass das hier ein Meilenstein der Spielgeschichte wird, oder? Habt ihr keine Augen? Und noch was: Wenn ihr ein Spiel vorbestellt in einem Store, der keine Rückerstattungen macht, dann beschwert euch bitte nicht, wenn ihr kein Geld zurückbekommt. Was ist denn bitte aus Eigenverantwortung geworden, hm? Ebenfalls: Zum Kotzen.

Was mich betrifft: Würde ein zweiter Teil kommen – ich würde ihn mir kaufen.

Persönliche Anmerkung: Das Coverbild hat null mit dem Spiel zu tun. Von der Farbe Violett und der Tatsache, dass eine schwarzhaarige Frau drauf zu sehen ist, mal abgesehen. Aber das Titelbild ist gleichzeitig ein Bild/Gemälde im Spiel welche Save-Rooms kennzeichnet (dort könnt ihr übrigens auch Violets Kostüme tauschen und euer Inventar in einer alle Save-Rooms übergreifenden Kiste abladen).

„Code Violet“ bekommt von mir 7 von 10 möglichen, primär von der Atmosphäre und der Optik der Protagonistin lebende, Punkte. Ach ja – und Dinos.

Aber das ist nicht alles, denn immer wieder hat Indy das Gefühl, dass hier noch jemand oder besser: noch etwas hier im Haus ist. Immer wieder sieht er Dinge, Schatten, die scheinbar nach seinem Herrchen greifen und die Schatten tauchen immer öfter auf und kommen immer näher …

Es ist erstaunlich, was Autor und Regisseur Ben Leonberg hier mit diesem Film abgeliefert hat, denn – wie der Titel ja andeutet – die Hauptperson aus deren Sicht der Film erzählt wird, ist die des Hundes. Ja, Indy ist der Hund. Vermutlich ist der Name auch eine nette Hommage an Indiana Jones, aber das ist eine andere Story.

Nun, der Film ist scheinbar in einem Zeitraum von knappen drei Jahren gedreht worden und wem die Prämisse, hier einen Film zu sehen, der zu einhundert Prozent aus der Sicht eines Hundes gedreht wurde, zu schräg oder langweilig vorkommt, dem oder der sei gesagt: Nein. Im Gegenteil. Das ist einerseits das einzige Alleinstellungsmerkmal des Films und dazu kommt auch noch, dass – und glaube kaum, dass ich das schreibe – der gute Hund Indy einfach großartig spielt. Ja. Lest den Satz nochmals. Der Hund spielt großartig. Die Mimik und die Bewegungen – wow, sag ich nur.

Wie bereits erwähnt – über einen Zeitraum von drei Jahre gedreht. Da muss man auch den Hut vor dem Regisseur Ben ziehen, denn ich denke, es war nicht einfach all die Szenen mit dem Hund so zu drehen, dass alles passt und sie die Wirkung haben, die sie haben.

Zugegeben, die Story ist so lala und wenn sich am Ende dann abzeichnet, was eigentlich los ist und was Indy da immer wieder sieht, dann ahnt man das schon sehr sehr lange vorher. Auch gibt es ein paar Dinge, die im Film vorkommen, die wohl einfach bewusst als falsche Fährten gelegt wurden und die eigentlich völlig unnötig waren, weil sie im Kern nichts beitragen.

Die Menschen sieht man nur ganz selten und wenn, dann so wenig wie möglich die Gesichter. Ich hätte es auch mutig gefunden, wenn man nicht verstanden hätte, was sie reden, aber das wäre dann wohl das letzte Tüpfelchen auf dem I gewesen, welches das Publikum vermutlich eher abgeschreckt hätte.

Dazu kommt, dass ich mir nicht sicher bin, warum genau Indy ein „Good Boy“ ist, denn tatsächlich – und das ist jetzt ein kleiner Spoiler – er tut nichts, um sein Herrchen zu warnen oder zu retten. Ich kann mich jetzt nicht erinnern ihn mal irgendwann bellen gehört zu haben, so als Warnung oder so. Indy ist eigentlich ein ziemlich … ruhiger Hund. Abwartend. Beobachtend. Also ziemlich anders als die Hunde, die ich kenne. Natürlich: Das kann auch an den Besitzer:innen liegen. Was weiß ich.

Die Kameraarbeit ist super, die Effekte sehen gut aus und – ja, ich wiederhole mich – man sieht Indy einfach gern zu, weil er wirklich eine grandiose Mimik hat. Und die zählt hier einfach als wichtigster Punkt. Egal, ob er nachdenklich wohin blickt, sein Ohr zuckt oder er erschrocken aus dem Schlaf hochschreckt – das ist einfach alles ein Hammer.

Wie man es also dreht und wendet: Ja, der Film ist unerwarteterweise wirklich sehenswert und die Story bzw. deren Auflösung ist mehr oder weniger sekundär, aber das macht hier überhaupt nichts aus. Zu kompliziert hätte es ja eh nicht werden dürfen, denn sonst hätte der Hund wohl nicht mitgespielt. Und noch ein kleiner Spoiler, weil es ja Leute gibt, die völlig durchdrehen, wenn Tieren bzw. Hunden in Filmen etwas passiert: Keine Angst, Indy überlebt den Film.

Alles in allem holt „Good Boy“ so ziemlich alles aus der Prämisse „Hund ist Hauptperson“ raus, was es rauszuholen gibt. Nochmals: Hut ab!

„Good Boy“ bekommt von mir 7 von 10 möglichen, auf jeden Fall eine interessante Einmalsichtung wert seiende, Punkte.

Aber die beiden können sich nicht leiden, weil … Gründe.

Als ein Monster auftaucht, welches offensichtlich auf der Insel wohnt und Bronsen fressen möchte, verjagt Saito es – mehr aus Reflex – was dazu führt, dass die beiden sich zumindest mal nicht mehr gegenseitig umbringen wollen.

Und dann geht es darum gemeinsam einen Weg zu finden, wie man überlebt und vielleicht auch irgendwann und irgendwie von der Insel entkommt …

Wenn man die Zusammenfassung liest, dann hat man eigentlich ein sehr klares Bild des Films vor Augen und irgendwie auch leichte „Enemy Mine“-Vibes. Und ja, das kommt auch gut hin. Aber dann kommt die Tatsache ins Spiel, die viele Filme besser macht als sie eigentlich sein dürften: „Monster Island“ wurde nicht in den USA gedreht, sondern in Asien, konkret Indonesien.

Und das macht einen großen Unterschied, weil der gesamte „US to the rescue“-Part (zum Teil) wegfällt. Ich könnte jetzt spoilern, aber das mach ich nicht. Ich sag es aber so: Beide Protagonisten bekommen ihren Platz im Scheinwerferlicht. Und den Ami-Part hat ein Brite bekommen. Also – alles gut? Naja, fast. Im Kern ist der Film nämlich tatsächlich völlig belanglos. Es geht um genau gar nichts. Wir wissen ja nicht einmal wirklich irgendwas über die Figuren.

Und trotzdem macht der Film Spaß. Er ist flott geschnitten, es gibt eigentlich so gut wie keine Pausen oder unnötige Szenen und die Action stimmt per se. Es gibt ein paar Zweikämpfe, die gut choreografiert sind und auch wenn das Monster im Grunde viel zu oft gezeigt wird, so ist der Spannungsaufbau bis dahin sehr gelungen.

Dazu kommt, dass die Dynamik und Kommunikation zwischen Saito und Bronson wirklich gut gemacht ist (sie sprechen die Sprache des jeweils anderen nicht) und man fühlt wirklich mit den beiden mit und es macht eine Freude zuzusehen, wie sie beginnen aufeinander zu vertrauen.

Das Monster hat ein paar Kills, ein paar davon ziemlich blutig (wenn auch nur kurz) und die Effekte sehen im Grunde genommen alle sehr gut aus. Das Design des Monsters ist jetzt nicht besonders aufregend – man hat ein ähnliches Design schon x Mal gesehen – und man sieht es viel zu früh in seiner Gänze, aber immerhin wird diese Tatsache dann dazu genutzt, dass man das Monster auch wirklich nutzt. Wie oben schon angeführt: Zweikämpfe. Und ja, wenn das Monster einen großen Sprung macht, dann wirkt das – wie in den meisten Filmen – lächerlich. Kommt aber eh nie vor.

Das Ende und was mit dem Monster passiert hat mich dann doch überrascht und ja, ich finde Kämpfe mit Samuraischwertern immer noch cool anzusehen. Die müssen nicht mal lang dauern oder eine extreme Choreografie haben – ich mag das einfach. Stell jemanden mit einem Samuraischwert hin, der (oder die) weiß, wie er (oder sie) es halten muss, stell ihn (oder sie) in Kampfpose und in meinem Hirn blinkt sofort das Wort „episch“ auf.

Wie dem auch sei: Macht „Monster Island“ irgendwas neu? Nein. Nichts. Ist es trotzdem einer der besseren Vertreter dieser Gattung Film, unterhält er und macht er Spa0: Definitiv. Gegen Ende gibt es dann sogar ein wenig Grund zur Rührung, auch wenn ich persönlich das Ende bzw. die letzte Szene (auf nem Schiff) nicht gebraucht hätte. Aber gut. Das schmälert den Rest nicht.

„Monster Island“ bekommt von mir 7 von 10 möglichen, für die einmalige Sichtung absolut ausreichende und unterhaltsame, Punkte.

Nachdem er einer schnellen Exekution entkommen kann und dabei drei feindliche Soldaten tötet, wird der Anführer dieses Camps, auf ihn aufmerksam. Lt. Col. Benjiro Ito (Peter Shinkoda) lässt ihn daraufhin am nächsten Tag gegen einen Mann antreten, der im Zweikampf normalerweise kurzen Prozess mit Gefangenen macht…

2025 ist ein gutes Jahr für Fans von Scott Adkins. Nach Take Cover und Diablo ist dies sein dritter Film und ja, auch diesen würde ich über dem Durchschnitt einreihen. Nach einer Story von Adkins führt hier Schauspieler Louis Mandylor (The Flood) Regie. Die zwei sind nach ihren beiden „The Debt Collector“ Filmen alte Bekannte und wer der englischen Sprache mächtig ist, der sollte sich das Interview der Filmfreunde auf Adkins Kanal anhören.

Da kann man hören, wie man mit wenig Geld, unter schweren Bedingungen und unter Zeitdruck einen Film auf die Beine stellen kann, dem man die Strapazen der Produktion nicht ansieht und der dich nicht kalt lässt. Dabei ist der Film vor allem deshalb ein intensives Erlebnis, weil Adkins hier eine gewaltige Leinwandpräsenz an den Tag legt. Wie er steht und seine Blicke, der muss überhaupt nichts sagen und dennoch hast du Respekt vor ihm.

Diese eigene Aura wird dann durch seine überragende Kampfkunst perfekt ergänzt, was sich vor allem deshalb so befriedigend anfühlt, weil ihn seine japanischen Gegner, anfänglich nicht nur unterschätzen, sondern ihn einfach nur nebenbei beseitigen wollen. Der Martial Arts Stil ist dabei auf effektive und schnelle Aktionen konzentriert, Gegner zügig ausschalten zu wollen, ist für ein Kriegsszenario natürlich eine ziemlich einleuchtende Intention.

Dass das Ganze dann auch noch wie ein „Bloodsport Wettkampf im Kriegsgefangenenlager“ aufgezogen wird, erzeugt diese harte, trostlose und auch sadistische/voyeuristische Stimmung, wie Gladiatoren, die sich zur Belustigung ihrer Peiniger gegenseitig umbringen müssen. Peter Shinkoda (Predator Upgrade) hat als Lt.Col. Ito hier das Sagen und wie er James gegenüber von nicht beachten über Abneigung bis hin zu Respekt einiges an Emotionen durchlebt, kann man durch sein Schauspiel sehr schön nachvollziehen.

Diese positiven Aspekte überwiegen klar, aber durch Adkins überragende Erscheinung und natürlich auch weil das Drehbuch sie vernachlässigt, bleiben (abgesehen von Ito) alle übrigen Figuren ziemlich blass. Wenn man eine Figur mehr mag dann nur, weil dich ihr Verhalten an andere Charaktere aus anderen Filmen erinnert, die man ins Herz geschlossen hast. Was auch ein (wohl gewolltes) Problem ist, ist es einen würdigen Gegner für Adkins zu finden.

Dieses Setup irgendwie mit Hommage Qualitäten an alte Charles Bronson Filme auszustatten und dabei nie in den Trashbereich abzurutschen, ist dafür wiederum eine eigene Kunst und der unaufhaltsame „Ein Mann Armee“ Status des Helden zeichnet sich vor allem durch das Durchhaltevermögen und das niemals Aufgeben aus, dennoch ist es vom ersten Kampf an klar, dass seine asiatischen Feinde keine Chance haben. Es fehlt dadurch ein Endboss bei diesem „Tournament“, aber die vorhandene Coolness überstrahlt auch dieses Defizit.

In Summe ein grimmiger, von der Action her greifbarer Film, der gekonnt mit audiovisuellen Spielereien arbeitet und eine im Prinzip sehr einfach Story, niemals banal oder langweilig erscheinen lässt, inklusive einigen „dem Helden zujubeln“ Momente. Mandylor hat auf jeden Fall einen gutes Auge aka er versteht Kino weswegen ich hoffe, dass er neben dem Schauspiel auch weiterhin ebenfalls Regie führt, vielleicht ja sogar wieder mit Adkins an Bord.

„Prisoner of War“ bekommt von mir 7/10 sich nicht einmal ansatzweise von seinen Peinigern einschüchtern lassende Empfehlungspunkte.

Der Tag ist wie jeder andere in Ebisugaoka. Die Eltern streiten. Es geht um Hinakos Zukunft. Das Mädchen verlässt das Haus und marschiert zum üblichen Treffpunkt, um sich abzulenken. Bereits am Weg dorthin ist die Stadt menschenleer bis auf ihre drei Freunde Shu (Mann), Rinko (Frau) und Sakuko (Frau). Aber kaum angekommen, plagen Hinako Kopfschmerzen und plötzlich taucht Nebel auf. Mit dem Nebel kommen Spinnenlilien, welche die gesamte Stadt überziehen und sofort eine ihrer Freundinnen töten.

Die Überlebenden fliehen, trennen sich und kommen gerade so noch mit dem Leben davon. Außerdem tauchen in der Stadt selstsam enstellte Monster auf, die Hinako nach dem Leben trachten. Und gerade als es nicht schlimmer werden kann, kehren die Kopfschmerzen zurück, Hinako verliert das Bewusstsein und wacht an einem düsteren Ort auf, der aussieht wie ein alter japanischer Schrein.

Auch dort wird sie von Monstern bedroht, aber ein Mann mit der Maske eines Fuchses hilft ihr und er scheint zu wissen, was hier los ist und wie Hinako wieder nach Hause kommen kann. Wären da nur nicht die Warnungen ihrer alten Spielzeugpuppe, die ihr immer wieder eintrichtert, dass sie dem Fuchsmann nicht trauen darf …

Um es vorweg zu sagen: „Silent Hill f“ ist für mich das ambivalenteste Spiel seit langem. Ist es gut? Kommt drauf an, worauf ihr Wert legt. Ist es schlecht? Kommt drauf an, wie geduldig ihr seid. Das klingt jetzt kryptisch und unschlüssig und genau so fühlt es sich auch an für mich. Ich würde es gern uneingeschränkt empfehlen (Story-Inszenierung, Art-Design, Atmosphäre), kann es aber nicht (Kampfsystem und tatsächlich: Design-Entscheidungen bzgl. Gameplay).

Aber der Reihe nach. Fangen wir mit den positiven Dingen an: Das Art-Design ist schlichtweg großartig. Die Idee mit den Lilien, das Design der Monster und wie diese Silent-Hill-typisch mit Hinakos Psyche zusammenhängen – das ist alles großartig und da gibt es für mich auch nichts dran zu rütteln. Auch die Inszenierung des Horrors funktioniert für mich quasi perfekt – von der Optik und dem Sounddesign her. Das ist alles wirklich richtig klasse und macht definitiv Lust auf mehr. Allein die Vogelscheuchen und wie sie später eingesetzt werden – Hammer. Respekt!

Und dann fangen für mich schon die Probleme an, denn an dieser Stelle würde ein großes ABER folgen. Nur, dass es kein ABER ist. Es ist ein UND. Hier stehen wirklich Plus und Minus gleichwertig gegenüber, ohne das – für mich – das eine das andere schmälern oder ausmerzen kann.

Ich fange mal beim Gameplay an, bevor ich zur Story, deren Präsentation und diversen Design-Entscheidungen komme: Das Gameplay ist im Grunde simpel: Herumlaufen, an bestimmten Stellen zum Klettern Knopf drücken, Monster verhauen oder flüchten, sich darum kümmern, dass die Waffen nicht zerbrechen, an Schreinen Gesundheit und andere Dinge hochleveln und dabei auf einem klaren, linearen Pfad von A nach B zu kommen, immer und in jedem Abschnitt mit einem klaren Ziel vor Augen. So weit – so gut.

Nur: Die Umgebung ist tot. Und ich meine damit nicht menschenleer, sondern tot. Das ist alles zu 100% als Kulisse zu erkennen. Auf Screenshots wirkt das Ganze absolut detailverliebt und ja, dass ist es auch – nur gibt es NULL Interaktion. Weder kippen Flaschen um, noch bewegt sich irgendwas im Wind, noch ist dort sonst irgendwas auch nur irgendwie „echt“. Liegt vielleicht daran, dass ich vor kurzem erst „Assassin’s Creed Shadows“ gespielt habe, in dem man sich sogar seinen Weg querfeldein durch Bambus holzen kann, wenn man denn will – aber hier: Wenn es nicht mit X zur Interaktion markiert ist, dann vergiß es.

Dazu kommen die Wege und extrem künstlichen Blockaden: Wenn ihr zB auf den Wegen durch Reisfelder läuft, dann ist dieser Weg eine Spur höher als die Felder. Dann steht da ein Karren im Weg. Hinako kann nicht außen herumlaufen. Weil … Gründe. Oder zwischen zwei Sträuchern durch, die einen Meter auseinanderstehen. Außen rum auf einem klar vorgegebenen Weg? Ja. Aber durch? Nein. Sinnfrei. Das finde ich bei einem AA-Titel wie zum Beispiel „Scars Above“ völlig in Ordnung, aber bei einem „Silent Hill“ erwarte ich mir im Jahr 2025 eigentlich was anderes. Vor allem hat mich diese Tatsache immer wieder aus der Immersion geschmissen, weil das Spiel mich einfach auf technischer Seite her Dinge nicht hat machen lassen, die völlig logisch wären. Zurück zum Beispiel Reisfeld: Die Bösen Mannequins, die Hinako auflauern, die können vom Reisfeld zu mir raufspringen. Aber ich kann nicht runter? Echt jetzt? Naja. Ist halt so.

Dazu kommt, dass die Kämpfe anfangs für mich eine Qual waren – nicht, weil ich ausweichen und kontern muss und dabei auf die geistige Gesundheit (werte Gaming-Magazine: „Sanity“ heißt nicht Verstand, sondern geistige Gesundheit bzw. Vernunft!) und Hinakos Ausdauer achten muss – das ist kein Thema, das lernt man, das passt. Was nicht passt, ist die Spielfigur in so enge Gassen zu stecken, dass Angriffe oder ausweichen nicht möglich sind. Ja, mag sein, dass es das Ziel ist, die Spieler:innen zum Fliehen zu bewegen, weil Story und Spannung und so – dann gebt uns halt zu diesem Zeitpunkt einfach noch keine Waffe in die Hand. Diese Lösung hier ist irgendwie … so lala. Ich war tatsächlich mehrmals kurz davor das Spiel abzubrechen, schlichtweg, weil das Kampfsystem bzw. eigentlich: Die Austragungsorte der Kämpfe so mies waren, dass ich nicht aufgrund eines Fehlers von mir, sondern aufgrundn eines Fehlers im Design quasi keine Chance hatte. Das finde ich frustig und müsste nicht sein.

Damit komme ich zur Story: Die hat mir wirklich gut gefallen, zumal es für mich weniger – wie oft propagiert wird – um die Rolle der Frau und Geschlechterrollen im Jahr 1960 in Japan geht (juckt mit das wirklich?), sondern um Hinako als Person, die für sich eine schwerwiegende Entscheidung treffen muss und schwerstens(!) mit sich hadert. Mit ihr als Person (nicht Symbol) mitzufühlen wird einem wirklich leicht gemacht zumal die Dinge, zu denen sie gezwungen wird (oder für die sie sich entscheidet), wirklich heftig sind. Es gibt hier ein paar Szenen, die ich niemals so hätte kommen sehen und ich war völlig fasziniert, was hier wie und warum passiert. Das ist alles wirklich extrem gut gemacht und cool umgesetzt und die Inszenierung ist ein Hammer. Gänsehaut hoch 10. Wirklich grandios.

Natürlich kann man sich relativ rasch zusammenreimen was passiert, was wirklich los ist und was alles an Symbolen herumläuft – „Silent Hill f“ ist vieles, aber nicht subtil. Monster, die aus vielen Köpfen bestehen und Gift spucken? Enstellte männliche Dämonen ohne Gesicht, die Hinako anspringen und wenn sie sie erwischen zu Boden drücken und sabbernd ihr Gesicht ablecken? Mannequins mit Traummaßen, entstellt und ohne Gesicht? Hm. Wie gesagt: Subtil ist hier nicht das Gebot der Stunde gewesen. Zumindest nicht bei den Monstern.

Dafür sind die Beziehungen zwischen den Figuren vielschichtiger. Warum zum Beispiel nennt Sakuko Hinako immer „Verräterin“? Warum behautpet Rinko Shu gegenüber, dass Hinako „tot“ sei, wo sie doch neben ihnen steht? Und warum ist Shu so verdammt … verständnisvoll? Das alles wird nach und nach gelöst und kommt durch Dialoge und Tagebucheinträge und Notizen, die man nach und nach findet ans Tageslicht und in letzter Konsequenz ist es eine tief menschliche, tragische, nachvollziehbare und persönliche Geschichte, die mich wirklich berührt hat – bis dann das Ende kam. Das war vermutlich als „WTF?“-Moment geplant und soll animieren, das Spiel im New Game+ zu starten, denn darin (und im New Game++ auch nochmals) ändern sich Dialoge, man findet mehr Notizen und Infos (die man im ersten Durchgang überhaupt nicht finden kann) und außerdem kann man nach dem ersten Durchspielen unter bestimmten Voraussetzungen vier neue Enden (eines davon ein Jux: Das UFO-Ende) freispielen, welche zwar nicht die Geschichte (die bleibt im Kern gleich), aber doch die Beziehungen unter den Figuren ausloten, erhellen und teilweise in einen neuen, stark veränderten Kontext setzen.

So sieht hat man zum Beispiel am Anfang des ersten Durchgangs den Eindruck, dass Hinakos Vater einfach ein dummer Säufer ist, dem seine Familie egal ist. Nun … wie gesagt: Der erste Eindruck. Aber da steckt einiges mehr dahinter. Gleiches bei Rinko, die anfangs wie eine eifersüchtige Rivalin dargestellt wird, nur um später, nun – auch einen anderen Eindruck zu hinterlassen. Sie ist zum Beispiel die erste, die darauf hinweist, dass Hinakos Stimme völlig anders klingt, wenn sie mit Shu spricht (dann redet Hinako mit hörbar tieferer, männlicherer Stimme) als wenn sie mit ihren Freundinnen spricht. Da sind viele kleine, coole Details drin.

Auch gibt es Räume, die im ersten Durchlauf versperrt sind und die man später betreten kann, ebenfalls voller neuer Erkenntnisse. Alles eine coole Sache und eigentlich eine richtig coole Idee (die Genialität eines „Nier: Automata“ wird nie erreicht. Nicht mal die von „Nier: Replicant„). Nur … das Spiel sagt mir NICHTS. Naja, ich kann im Menü lesen, dass es Voraussetzungen gibt, die ich erfüllen muss für Ende X oder Y. Schön. Das bedeutet allerdings nur, dass ich weiß, ich muss erneut(!) jeden Millimeter im Spiel absuchen, um Details und Dinge zu finden, die es im ersten Durchlauf nicht gab. Und im dritten Durchlauf nochmals, und zwar nach Dingen, die es weder im erten noch im zweiten gab. Und sorry – Nein. Einfach NEIN.

Damit kommen wir zum – neben der grundsätzlichen Story, Inszenierung und dem Art- und Sound-Design – zum größten Pluspunkt: Die Karte. „Silent Hill f“ bietet die beste, hilfreichste und wohl schönste Karte, die ich seit langem in einem Spiel gesehen habe. Absolut. Die ist sowas von mit Liebe gestaltet – erneut: Art-Design: 1A -, dass muss man schon gesehen haben. Und noch besser: Hinako zeichnet permanent neue Dinge ein – wenn sie zB etwas Interessantes sieht oder wenn ein Weg versperrt ist oder wenn wieder ein Durchgang frei ist. Das ist richtig hilfreich und wirklich großartig. Im ersten Durchgang.

Im zweiten – ist es 1:1 wie im ersten. Es gibt halt ein paar interessante Orte mehr und ich muss immerzu auf der Karte nachsehen, ob jetzt wo ein Durchgang möglich ist oder nicht – allerdings, und das ist der für mich mühsame Teil, markiert mir das Spiel nicht, ob der Ort im ersten Durchlauf auch schon zugänglich war oder neu ist. Sicher – jetzt kann man mir vorwerfen, dass ich ein fauler Hund bin und ich soll selbst suchen und das Suchen ist ja das Spannende an der Sache und die Freude was Neues zu entdecken ist ja DER große Erfolgsmoment. Sicher. Für euch vielleicht. Mein Alltag ist voll genug von Dingen, die ich mir merken muss, in meinem Hirn ist kein Platz dafür, ob in Kapitel 1 von X die Tür Nummer 27 im ersten Durchlauf offen oder geschlossen war. Sorry. Nein. Da denke ich an die „Resident Evil-Remakes“ mit den Karten, im Sinne von „da gibt es noch was zu finden“ oder „da ist noch was zu tun“-Farbmarkierung und denke mir: Ja, genau das hätte es gebraucht. Im zweiten Durchgang(!). Wenn man schon ganze Storystränge erst im New Game+ einbauen kann, dann wäre das doch ein Klacks gewesen und hätte meiner Meinung nach dem Spiel nichts an Spannung genommen.

Und tja, deshalb ist für mich „Silent Hill f“ ein ambivalentes Spiel: Ich würde es gern richtig, richtig mögen, weil ich die Figuren, das Art-Design, die Bezüge zur japanischen Folklore, die Inszenierung und die Nutzung von symbolhaften Aktionen und alles zusammen mag: Ja, das ist richtig, richtig großartig.

Wenn ich dafür aber drei Mal durch die gleichen engen, von Monstern heimgesuchten Straßen laufen und Häuser durchsuchen muss, ohne zu wissen, wo es etwas Neues gibt … nein, danke. Selbst nachdem ich mich an das Kampfsystem gewöhnt hatte (oder die Stats so hochgepusht, dass die Monster nur kurze Ablenkungen anstatt einem furcheinflössenden Problem waren), war mir das dann einfach zu langweilig. Ein Haus. Fünf Interaktionspunkte. Drei davon leer. Ein Heilkraut. Ein Eisenrohr als Waffe. Nächstes Haus. Vier Interaktionspunkte (im gesamten Haus verteilt!). Zwei davon leer. Eine Schokolade. Eine Opfergabe für den Schrein. Nächstes Haus. Und so weiter und so fort. *gähn* Nein. Einfach Nein.

„Silent Hill f“ bekommt von mir 7 von 10 möglichen, an seinen eigenen Design-Entscheidungen leider zum Teil scheiternde und seine eigentlich grandiose Atomsphäre und tolle Story damit – für mich – kaputtmachende, Punkte.

Also mehr indirekt, denn sie hat seid einem halben Jahr mit Tony (Ben Hardy) einen fixen Freund und es scheint ernst zu werden. Bald werden die Warrens jedoch wieder in die paranormale Welt hinein gezogen, denn dass Lorraine und Judys Visionen sich vermehren, hat mit ihrer Vergangenheit zu tun und die aktuellen Heimsuchungen einer Großfamilie in Pennsylvania, sind direkt damit verbunden…

Das Conjuring-Universum ist mit einem bisherigen Einspiel von 2,7 Milliarden Dollar, das erfolgreichste Horror-Franchise aller Zeiten und es funktioniert noch immer, denn dieser vierte Teil hat innerhalb der vier Hauptfilme, mit 467 Millionen Dollar, am Meisten eingespielt. Regisseur Michael Chaves führt hier Regie, was er auch bereits beim dritten Teil und dem Ableger The Nun 2 gemacht hat und dabei habe ich schon ein paar Worte über ihn verloren.

Kurz gesagt ist er für mich ein Handwerker, er erzeugt einfach keine (in diesem Fall) dunkle Magie. Dennoch muss ich sagen, dass sein aktueller Film sein bisher bester Beitrag innerhalb des Franchise ist. Von der Story her ist ja klar, dass dies der letzte Fall (und somit auch Film) mit den Warrens sein wird und dieser Auftrag wird als der beworben, der ihre Karrieren beendet hat. Nun diesem Aufbau kann die Handlung weder von den Geistern/Dämonen noch von den Schockmomenten her standhalten.

Dafür gibt es wohl dosierte kleinere Momente, die für Unbehagen sorgen und dann die wilderen Attacken und Aktionen, die für wohligen, bereits stark etablierten Grusel sorgen. Haben die Warrens bei meinem Lieblingsteil – dem zweiten – die Handlung noch spannender gemacht, weil man sie einfach so ins Herz geschlossen hatte, zehrt hier die Geschichte etwas von ihnen. Der Film nimmt sich mit seiner knapp über zwei Stunden Laufzeit dabei sehr viel Zeit, auch die neuen Figuren aka die betroffene Familie als echte Menschen aufzubauen.

Ich hasse es, wenn dir in einem Horrorfilm die Figuren egal sind, aber die Warrens erst nach über einer Stunde direkt mit dem Dämonen des Filmes in Berührung zu bringen, dauert dann doch etwas zu lange. Alles rund um die Warrens, finde ich jedoch passend und ich hätte (fast) nichts davon gekürzt. Besonders der Einstieg in den Film, wo man sie bei ihren Anfängen sieht und Tochter Judy auf die Welt kommt, das ist richtig involvierend.

Wie die Warrens in der Gegenwart des Filmes mit ihrem Rückzug aus dem „Geisterjäger-Geschäft“ umgehen und die Sache mit dem zukünftigen Schwiegersohn, das sind nette Erweiterungen und man spürt, dass somit noch mehr auf dem Spiel steht, für unsere Helden. Beim erwartungsgemäß versöhnlichen und beinahe kitschigen Ende (nein, ein anderes hätte ich mir für die Warrens auch nicht gewünscht) gibt es dann ein kurzes Wiedersehen mit Menschen aus allen drei bisherigen Filmen, denen die beiden geholfen haben plus noch noch mehr Cameos.

Patrick Wilson (Insidious: The Red Door) und Vera Farmiga (Godzilla 2) können ihre Rollen im Schlaf und sie sind stark wie immer, weswegen ich kurz ein paar Worte über zwei andere verliere, die im Gedächtnis bleiben. Mia Tomlinson (The Beast Must Die) als Judy Warren ist so natürlich und herzlich (plus leidet sie unter ihrer Gabe) und Ben Hardy (6 Underground) als ihr Freund Tony so der perfekte und verständnisvolle Schwiegersohn, dass man sie durchaus als potentielle Nachfolger ihrer Eltern sehen könnte, auch wenn das zu ihrem (Film)Glück, nicht passieren wird.

In Summe also ein stimmiger Abschied für die Warrens, involvierend gespielt und technisch fein und sämtliche Geistermomente gruseln (ohne zu schocken). Der große Knall zum Finale ist es nicht geworden, doch das habe ich so auch nicht erwartet und die eine oder andere Szene, hätte man wohl etwas kürzen können, doch die Sympathie für die bekannten und neuen Figuren plus ihre Darsteller, zieht einfach das Gesamterlebnis permanent nach oben. Filmemacher, die es nicht schaffen ihre Figuren liebenswert zu gestalten, sollten sich hier ein Beispiel nehmen.

„The Conjuring: The Last Rites“ bekommt von mir 7/10 den Kreis sich befriedigend schließen lassende Empfehlungspunkte.

Davon abgeseshen gibt ihm Meister Shifu einen besonderen Auftrag: Er, der jetzt ein Meister ist, soll sich umsehen, denn es ist Zeit seinen Nachfolger auszuwählen. Aber Po will nicht. Dazu genießt er seine Rolle zu sehr. Und auch eine Konfrontation mit dem Chameleon ist nicht ganz oben auf seiner To-Do-Liste.

Als er die gewitzte Füchsin Zhen kennenlernt könnt sich da allerdings ändern. Denn die Diebin hat eine Verbindung zum Chameleon und kann Po den Weg weisen. Aber kann er ihr vertrauen?

Die Reihe vom dicken Panda, der ja ein Kung-Fu-Krieger wird, hatte von Anfang an ein wenig ein Problem mit den Nachfolgern. Denn so ungewöhnlich die Rolle des Pandas im ersten Film war – an dessen Ende war er der Drachenkrieger. Die Story des Underdogs war zu Ende erzählt. Man hat dann noch zwei weitere Filme aus der Figur rausgequetscht und ich fand diese durchaus unterhaltsam und von den Ideen her auch ganz okay, aber das „Besondere“ an der Figur war weg. Po war, nun, er war Jack Black. Punkt.

Der vierte Teil der Reihe, der ja doch ein paar Jahre seit dem dritten Teil ins Land hat ziehen lassen, nimmt sich dieses Problems scheinbar an indem es Po vor die Herausforderung stellt eine:n Nachfolger:in zu suchen. Und das mag er nicht. Fast so wie die Macher:innen von Dreamworks scheinbar ein Problem damit haben, den guten Panda in Ruhe zu lassen.

Nun also ein neuer Versuch. Der macht zwar ein paar Sachen anders als die Vorgänger, aber er ist deshalb nicht per se besser geworden.

Zum einen nehmen die Mitstreiter von Po keinen Platz mehr im Film ein. Die kommen vor, aber so völlig am Rande, dass man sie auch hätte weglassen können. Zum anderen ist der Film gegen Ende wirklich (für Kinder) furchteinflößend, wenn das Chameleon (Vorsicht: Kleiner Spoiler) alle vorigen Gegner von Po absorbiert hat und mutiert. Das ist gruselig. Für Kinder, wie gesagt. Fiel mir vielleicht in den ersten Filmen nicht so auf, weil ich die ohne Kinder gesehen habe, aber hier – hm. Nun, die sind schon ein wenig ängstlich zurückgezuckt.

Wie dem auch sei: Was der Film gut macht ist die Einführung der neuen Figur Zhen, denn die Füchsin ist wirklich klasse. Die macht Laune, Spaß und man sieht sie die gesamte Zeit über gern. Wie die Sache ausgeht und ob sie wirklich eine Freundin von Po ist oder ob es sich um die klassische „Ich betrüge dich, um dich dann doch zu retten“-Story handelt, nun, darüber muss ich wohl kein Wort verlieren, oder? Eben.

Dabei gibt es ein paar wirklich coole Szenen zu sehen, die ich so nicht kommen gesehen hatte. Zum Beispiel streiten Zhen und Po und kämpfen gegeneinander. Aber dann endet der Kampf, weil Zhen merkt, dass sie Po nich stoppen kann. Was macht sie also? Sie umarmt ihn und bittet ihn, das was er vorhat zu unterlassen. Und Zhen und Po sind da so gut animiert, dass ich wirklich ein kleines Tränchen verdrücken musste.

Auch gibt es ein paar tolle Ansprachen, die aber zu 100% nur Erwachsene witzig finden werden. Wenn Zhen etwa einer Räbuerbande erklärt, dass sie das richtige tun sollen, diese ihre Worte völlig missverstehen und Zhen schließlich den Schlachtruf ändert in „Dann lasst uns gehen und das Richtige aus den falschen Gründen tun!“. Das war super. Aber halt wohl nur für Erwachsene.

Naja, wie dem auch sei – optisch ist der Film top. Die Animationen, das Design, die Grafik – alles sieht wirklich richtig gut aus. Da kann man und darf man nicht meckern. Auch ist der Film per se nie langweilig, wenn auch klar sehr berechenbar. Auch gibt es einen Nebenplot was die Väter von Po betrifft, der zwar nett ist und dessen Sinn man erkennt, aber der leider irgendwie nicht so richtig zieht. Alledings finde ich Pos Gänsevater immer wieder cool, wenn er Menschen, die sich quasi entschuldigen völlig emotionslos auflaufen lässt. So sinngemäß: „Es tut mir so leid, ich habe Mist gebaut.“ Antwort: „Ja, du hast so richtig Mist gebaut.“ … und da kommt da nichts mehr. Wo andere in anderen Filmen Sachen sagen würden wie „Aber du hast dich bemüht“ oder „aber das macht nichts, ich verzeihe dir“, da lässt er die Feststellung einfach im Raum stehen. Fand ich großartig.

In der deutschen Synchro funktionieren ein paar der Witze nicht, weil die Betonung nicht zusammenstimmt und das Pointen-Timing meiner Ansicht nach nicht ganz passt (ist in der englischen Synchro anders), aber alles in allem – ja, der Film war lustig, actionreich und hat mich (und die Kinder) gut unterhalten. Für einen fünften Teil muss man sich dann aber schon ein wenig mehr einfallen lassen.

„Kung Fu Panda 4“ bekommt von mir 7 von 10 möglichen, durch Zhen einen Mehrwert besitzende, Punkte.

Als sie in Jenn (Christine Elise) eine Freundin findet und mit Tim (Billy Wirth) einen jungen Mann, der ihr nicht nur äußerlich gefällt, scheint es mit ihrer Laune bergauf zu gehen. Sich auf der Basis vermehrende Aliens, die exakte Kopien von Menschen erzeugen, lösen die Hoffnung auf eine gute Zeit, jedoch schnell wieder in Luft auf…

Dieser Film basiert lose auf dem 1955 erschienenen Roman „The Body Snatchers“ von Autor Jack Finney, der zuvor bereits in den Jahren 1956 und 1978 einmal verfilmt wurde. Ursprünglich sollte Stuart Gordon die Regie übernehmen, der war aber vertraglich gebunden und inszenierte stattdessen Fortress. Abel Ferrara (Bad Lieutenant) sprang ein, ließ das Drehbuch überarbeiten und schließlich begannen im Winter 1991 die Dreharbeiten in einer verlassenen Militär-Basis in Alabama.

Warum ich den Film jetzt nach Jahren wieder einmal gesehen habe, ist weil es für mich als Filmfreund und Sammler von nicht digitalen Medien immer schwieriger wird, in Geschäften Blu-Rays zu finden. Da es im Einkaufszentrum meiner Wahl gerade einen Abverkauf von MediaBooks gab, habe ich zugeschlagen. Bereut habe ich es nicht, denn auch wenn ein ganz bestimmter CGI-Effekt gegen Ende sehr mies gealtert ist, sind die praktischen Effekte noch immer top.

Hinzu kommen grundsätzliche Fragen, die hier aufgeworfen werden. Ist Gleichheit besser als Individualität? Was ist mit Emotionslosigkeit? Es gibt zwar dann keine Liebe, aber auch keinen Hass, keine Trauer oder psychische Schmerzen. Keine Morde, Vergewaltigungen und vor allem keine Kriege. Dies ist sicherlich auch eine Kritik an militärischer Konformität, aber gleich zu funktionieren, ist sicherlich nicht immer negativ.

Als Reaktion auf diese Gleichmacherei, wissen die Überlebenden im Film dann natürlich nur eine Lösung und das ist mit Gewalt zurückzuschlagen. Haben wir Menschen Krieg führen gegen unsere Feinde doch in unserer DNA verankert? Ein perfektes Double von dir, nur eben ohne Gefühle, kann das besser sein als das echte Ich? Übrigens für mich nicht, aber es gibt Menschen die ich kenne, die ohne Emotionen wohl besser funktionieren würden.

Gabrielle Anwar (The Librarian 2) als Marti finde ich dabei eine tolle Hauptfigur, immerhin fühlt sie sich wie ein Alien auf dieser Militärstation, dabei ist sie im Verlauf der Handlung eine der wenigen, die kein Alien ist.

Das finde ich ist ironisch genau wie die Tatsache, dass hier alle Charaktere, etwas unterkühlt wirken. Der Schritt zur Emotionslosigkeit ist also gar nicht so weit, wie man denken könnte. Schön unangenehm manifestiert sich diese Ebene dann in Body Horror Mechanik, diese Tentakel, wie sie Leben kopieren/aussaugen und neues spinnen, die Pflanzen ähnlichen Pods und die Insekten artigen Schreie, das ist schon gruselig und faszinierend zugleich.

In Summe ein sehr geradliniger Film, der mehr Gedanken auslösen kann als zu manch anderer SciFi-Horror, wenn man sich darauf einlässt. Die Atmosphäre hat beinahe durchgängig etwas feindliches an sich, die handgemachten Effekte sind top und die Darsteller überzeugend. Man kann den Film wegen der tristen Atmosphäre durchaus auch eine gewisse Seelenlosigkeit vorwerfen aber ja genau, ihr habt es erraten, auch diese Sichtweise hat auf Grund der Handlung, eine gehörige Portion Ironie mit dabei.

„Body Snatchers“ bekommt von mir 7/10 die best mögliche Version von sich selbst präsentieren wollende Empfehlungspunkte.