Frau Becca (Connie Nielsen) die beiden Kinder plus sein Vater David (Christopher Lloyd) sind alle dabei und mehr oder weniger begeistert, doch schon kurz nach der Ankunft, kommt es zu einem Konflikt. Darauf folgen Auseinandersetzungen mit dem korrupten Gesetz und schließlich eine Konfrontation mit Gangsterboss Lendina…

Bei dem sehr gelungen ersten Nobody aus dem Jahr 2021, führte der Russe Ilya Naishuller (Heads of State) Regie. Für die Fortsetzung, hat man sich nun den indonesischen Action-Profi Timo Tjahjanto (The Night Comes For Us) geholt, der als nächstes auch die Fortsetzung zu The Beekeeper drehen wird. Vom Ton her verhält es sich bei dieser Fortsetzung ähnlich wie bei den Filmen Becky und The Wrath of Becky.

Soll heißen der grundsätzlich ernstere Grundton mit skurrilen Momenten des Erstlings, ist einem durchgängig satirischen Ton gewichen. Aber keine Sorge, die Charakter-Momente, die die Sache erden, gibt es dennoch. Das Szenario ist jedoch ein anderes und davon geht auch die Ironie aus. Im ersten Teil war Hutch Gefangener seines langweiligen Alltags, bis ihn seine Rückkehr zum Leben als Killer, wieder lebendig gemacht hat.

Nun ist genau dieses Leben zum Alltag geworden und Hutch und seine Familie, brauchen mal Ferien. Dass das schief gehen würde, konnte nun wirklich Niemand erahnen. Somit dauert es nicht lange und es gibt den ersten Kampf und hier ist man klar dem etablierten Stil treu geblieben. Hutch ist ein Brawler, der alles einzusetzen weiß, was er in die Finger bekommt. Selten will er dabei in diesen Situationen sein, doch er zieht es eben durch und gerade das macht es unterhaltsam.

Kein einziger Kampf wirkt wie Selbstzweck oder wie eine Szene, um die der Rest des Filmes herum geschrieben wurde. Das ist einfach die Natur der Konfliktlösung, Hutch Style. Zum Spaß tragen eindeutig auch neben den etablierten, einige neue Charaktere bei. Colin Hanks (Nuremberg) als korrupter Sheriff ist herrlich überheblich und sich in keiner Weise bewusst, wie dumm und belanglos er doch ist, besonders für Lendina.

Die wird von Sharon Stone „gespielt“ und sie overacted so, dass ich glaube sie hat ihre Figur aus Catwoman wieder ausgegraben. Ihre übertriebene Kälte, diese Härte, ich konnte ihr nicht zusehen ohne ständig lächeln zu müssen. Von all den wiederkehrenden Figuren steht natürlich Bob Odenkirk als Hutch im Mittelpunkt und seine „ich wäre jetzt gerne wo anders“ bzw. „lasst mich doch alle in Ruhe“ Gesichtsausdrücke, sind genial und 100 prozentig nachvollziehbar.

Das Finale inklusive Zeitlupe plus „The Power of Love“ als Soundtrack fasst für mich sehr schön zusammen, wie ich mich während des gesamten Filmes gefühlt habe. Fehlt mir der ernstere Grundton des Originals, was einige Seher ja kritisiert haben? Nun nicht wirklich, weil das hier für mich eine natürliche Entwicklung des Charakters ist. Er hat nun privat und beruflich genau das, was ihm Spaß macht und dennoch schleicht sich das Gefühl festzustecken, immer wieder mal ein.

Und selbst im Urlaub hat man keine Ruhe, davon kann wohl wirklich jeder Mensch ein Lied singen. Hutch ist einfach, wie wir gerne wären. Unscheinbar nach außen, aber wenn es um unsere Familie geht, dann verteidigen wir sie unaufhaltsam bis zum Happy End. Ein Nobody zu sein ist eben erstrebenswerter, als man zunächst annehmen konnte. Alle Beteiligten Niemande hatten offensichtlich einen großen Spaß und das überträgt sich wieder mal auf uns Zuschauer.

„Nobody 2“ bekommt von mir 8/10 einen Urlaub vom Urlaub brauchende Empfehlungspunkte.

Nachdem sie sich mit ein paar gleichaltrigen Mitschülern angefreundet hat merkt sie schon bald, dass die jungen Leute hier von der älteren Bevölkerung, eher als Störenfriede und Feindbilder betrachtet werden. Als kurz darauf als Frendo verkleidete Menschen anfangen, Jugendliche zu töten, wird Quinn schnell klar, dass Langeweile zu haben, in dieser Stadt nicht ihr größtes Problem werden wird…

Regisseur Eli Craig ist kein Mann, der viele Filme dreht. Nach seinem tollen Debüt Tucker & Dale vs Evil 2010, folgte der harmlos unterhaltsame Little Evil im Jahr 2017. Nun meldet er sich mit seinem dritten Film zurück, der Verfilmung des Horror-Romans „Clown in a Cornfield“ von Autor Adam Cesare aus dem Jahr 2020 (der dafür auch den „Bram Stoker Award for Superior Achievement in Young Adult Novel“ gewonnen hat). Übrigens gibt es mittlerweile zwei weitere Bücher, es könnt also auch in filmischer Form weitergehen.

Wenn dein in Kanada gedrehter Film nur 1 Million Dollar kostet und du dann über 9 wieder einspielen kannst, hast du schon einen dicken Gewinn und für die IFC (Independent Film Company), war es ihr bisher stärkstes Eröffnungswochenende und löste damit Late Night with the Devil ab. Diese Hintergrund-Infos finde ich schon mal sehr sympathisch und auch sonst ist der Film clever und weit weniger oberflächlich, als man es von einem Slasher erwarten könnte.

Ja, natürlich gehen auch die Waffen unter die Haut, doch das ist der zu erwartende Teil. Gefallen hat mir, wie mit Erwartungshaltungen gespielt wird, etwa den Love Interest des Final Girls oder den etwas eigenen, seltsamen Jungen aus der Nachbarschaft betreffend. Schöne Metapher wie Heilung durch Wahrheit zu empfangen (zu seinen Gefühlen einer anderen Person gegenüber stehen) oder den Gegenstand vom Rücksitz des Autos hinaus zu werfen aka Trauma hinter sich lassen.

Der Elefant im Raum, ist jedoch die alt gegen jung Dynamik. Im Genaueren geht es darum wie weit man gehen würde, um Veränderungen zu verhindern und an alten Doktrinen und Verhaltensweisen festzuhalten. Dass hier dafür über Leichen gegangen wird, muss ich wohl kaum noch mal extra erwähnen. Was mich zu den Kills und dem Killer bringt, denn bis jetzt könnte man von meiner Beschreibung her meinen, hier würde es sich um ein Drama handeln.

Clowns als gruselig-sonderbare Figuren gehen ja immer und dieses ländliche Setting plus Waffen in Form von Heugabeln und Kettensägen, der Kontrast von friedlicher Landidylle hin zum Party sprengenden Teenager dezimieren, der ist stimmig und versprüht Texas Chainsaw Schwingungen. Von den Figuren her – um die man Angst haben soll – stehen eine junge Dame und ihr Vater im Mittelpunkt, auch eher selten innerhalb des Genres.

Die Kanadierin Katie Douglas (ist derzeit auf Netflix in der „Ginny & Georgia“ Serie zu sehen) kannte ich bisher nicht, aber ihr natürliches Schauspiel ist einnehmend und sie erweckt Quinn sehr natürlich glaubwürdig zum Leben. Ihr Spiel und ihre Figur wirken vielschichtig und sich vom beschützenden Vater weg hin zur eigenen Kraft zu entwickeln, ohne dabei den Vater schlecht zu machen, ist eine feine Sache. Der Vater wird von Aaron Abrams (Code 8: Part II) gespielt und agiert ebenso menschlich nachvollziehbar, wie seine Filmtochter.

Das ergibt für mich am Ende einen Slasher, der kleine Spielereien mit Klischees parat hält, für mich überraschend sehr erwachsene und ein Leben bestimmen könnende Themen innerhalb eines Slasher-Rahmens behandelt und dabei fast schon erstaunlich wenig Humor verwendet. Clown Frendo und die Kills alleine wären gut aber Standard, das Gesamtpaket plus das Spiel von Katie Douglas (von der ich mir bei Zeiten mal weitere Filme besorgen sollte), machen die Sache für mich dann richtig gut.

„Clown in a Cornfield“ bekommt von mir 8/10 um Clowns in Zukunft einen riesigen Bogen machende Empfehlungspunkte.

Immerhin könnte dies nur eine weitere seiner Halluzinationen sein. Er wendet sich schließlich dennoch an die Polizei, die ihm auf Grund seiner medizinischen Geschichte, aber natürlich nicht glaubt. Aus Verzweiflung sucht er daraufhin seinen Nachbarn Ed (Jeffrey Dean Morgan) auf, der früher als Sicherheitsmann gearbeitet hat…

Was Regisseur Duncan Skiles (The Clovehitch Killer) hier abgeliefert hat, ist wohl einer der ruhigsten, unspektakulärsten und im kleinsten Rahmen gehaltenen Filme, die ich in längerer Zeit gesehen habe. Zwei Außenseiter in den Hauptrollen und die dazu gehörigen Darsteller und Performances, haben dieses Erlebnis jedoch zu einem Vergnügen für mich gemacht, obwohl ich normal gerne mehr Wirbel auf der Leinwand sehe.

Der Wirbel ist dann doch durchaus vorhanden, aber er beschränkt sich auf das Innenleben von Simons Kopf. Die Krimi-Handlung treibt die Geschichte voran, aber im Grunde geht es um zwei außerhalb der Norm funktionierende Menschen, die so etwas wie eine Freundschaft zueinander aufbauen, ohne dies auch nur ansatzweise geplant zu haben. Was sie im Prinzip füreinander getan haben und wie sie ihre Leben gegenseitig verändert haben, realisieren sie erst ganz am Schluß.

Wirklich unangenehm gut finde ich dabei die Art und Weise, wie das Trauma von Simon sich immer wieder an die Oberfläche kämpft. Als Kind wurden er und seine Schwester von ihrem Vater misshandelt und dieser ist nun die Stimme in seinem Kopf. Diese sagt ihm ständig, was für ein Versager er ist, dass er nichts erreichen kann im Leben und allen Menschen nur zur Last fällt. Psychopharmaka und Halluzinationen bestimmen zusätzlich seinen Alltag.

Auf der anderen Seite wäre da Ed, eine Sicherheitsmann einer Schule, der sich mit seiner Pensionierung nicht abfinden will. Sein Alter interessiert ihn ebenso wenig und die Wünsche seiner Ärztin seinen Lebensstil zu ändern, da hat er schon während sie geredet hat nicht mehr zu gehört. Geld hat er wenig und Freund sowieso keine, wegen seiner peniblen und oft auch sehr ruppigen Art.

Es gibt auf dem Papier nur wenig Konstellationen zweier Menschen, die weniger zusammen passen würden und dann wollen sie auch noch gemeinsam ein entführtes Mädchen finden. Der Homerun gelingt dann, wenn dieses Szenario, von Jack Quaid (Heads of State) und Jeffrey Dean Morgan (The Unholy) zum Leben erweckt wird. Quaid ist perfekt mit seiner unsicheren Körperhaltung, dem Blickkontakt nicht stand halten Können und der Angst in den Augen, wenn seins Vaters Stimme an seinem Verstand nagt.

Oder wenn er einfach so Wörtersalat quasselt, wenn er nervös wird. Morgan zeigt dieses hin und her zwischen seinem Traum wichtige Dinge im Leben erreicht zu haben schon lange aufgegeben zu haben und dennoch immer wieder das Feuer in sich zu spüren, etwas richtig machen zu wollen sehr nachvollziehbar. In Kombination sind die beiden dann am stärksten, vor allem wie Ed auf Simon reagiert und wie sich sein Verhalten ihm gegenüber, mit der Zeit verändert.

Ich dachte zunächst wirklich nicht, dass ich hiermit so viel Freude habe aber ich erkläre es einfach mittels der letzen Szene: der Payoff, zu bekommen was man als Zuschauer erwartet und dann auch noch in der Form dieser zwei lachenden Menschen, ist wirklich großartig gewesen und die dadurch erzeugte gute Laune, blieb bei mir noch Stunden nach dem Film erhalten. Diese nachbarschaftlichen „Nebenfiguren“, haben ihre Hauptrollen eindeutig verdient.

„Neighborhood Watch“ bekommt von mir 8/10 ohne Hintergedanken einfach das Richtige tun wollende Empfehlungspunkte.

Eine erste Pressekonferenz mit den beiden, verläuft wegen ihren unterschiedlichen Einstellungen, deshalb auch alles andere als glatt. Darum sollen die beiden auch mit der Air Force One einen gemeinsamen Termin wahrnehmen, um Einigkeit zu demonstrieren. Dabei wird das Flugzeug aber dummerweise abgeschossen…

Nachdem es nun zum dritten Mal passiert ist, ist es offiziell, wenn der russische Regisseur Ilya Naishuller einen Film dreht, dann habe ich meinen Spaß damit. Nach Hardcore Henry und Nobody gibt es nun seit Anfang Juli 2025, Heads of State auf Amazon Prime zu sehen. Dabei handelt es sich um eine überdrehte und so unrealistisch wie möglich gehaltene Buddy-Action-Komödie, bei der John Cena und Idris Elba ihre bereits in The Suicide Squad etablierte Chemie voll ausspielen können.

Der Film dauert fast zwei Stunden und ich habe mich doch ehrlich keine einzige Minute gelangweilt. Wie früher bei den großen Sommer Blockbustern, kann man sich zurück lehnen, das Gehirn etwas ausrasten und die Gesichtszüge schon mal darauf einstellen, dass es viel zu grinsen gibt. Dabei sind hier gleich mehrere Ebenen stark, die sich zu einem stimmigen Mix ohne Schwachstellen kombinieren. Als Netz, das alles zusammen hält, dient die bereits angesprochene Buddy-Dynamik.

Der amerikanische Präsident, mit seiner positiv naiven Weltsicht, der frühere Action-Filmstar, der natürlich im echten Leben weit nicht so hart ist, wie er es gerne wäre trifft auf einen englischen Premierminister, der abgebrüht und etwas desillusioniert, mit sarkastischen Sprüchen auf so gut wie Alle und Jeden reagiert. Das Hin und Her zwischen den beiden nützt sich nie ab und dass sich Gegensätze anziehen, wird sehr anschaulich dargeboten.

Dass Naishuller Action kann, ist bereits bekannt und auch hier schafft er es, niemals zu langweilen. Sogar seine typische Härte scheint etwas durch, auch wenn dieser Film klar weniger brutal ist, als seine beiden anderen Filme. Sehr gut finde ich, wie er dabei die Zeitlupen einsetzt, oder wie er Rückblicke immer so gestaltet, dass ich lächeln musste. Großartig auch der Soundtrack an sich und wie er seine Songs einsetzt, das ist zwar wenig subtil, das passt jedoch hier aber natürlich genau so dazu.

John Cena (Jackpot!) als Präsident Derringer hat ein perfektes komödiantisches Timing und seinen guten Willen hinter seinen Taten könnte er auch dann nicht verstecken, wenn sein Leben davon abhängen würde. Idris Elba (Extraction 2) als Clarke hat diesen herrlich rauen Charme, man könnte seine Coolness durchaus auch als „wie aus einem Western ausgeborgt“ bezeichnen. Eine kleine Kunst auf moderne Filme bezogen, ist mit Priyanka Chopra Jonas (Citadel) als Noel gelungen.

Die ist doch echt eine toughe und sympathische Lady, die Humor hat und auch Schwäche zeigen darf und nebenbei die beste Kämpferin auf der Seite der Guten ist. Was sie dabei nicht ist, ist ein viel gehasster „Girl Boss“. Perfekt ist auch der schräge Fanboy/Nerd-Rambo Auftritt von Jack Quaid (wartet auch auf seine Szene im Schlussspann), der dieses Jahr sowieso scheinbar nichts falsch machen kann, ist er doch bei Companion und Novocaine mit dabei gewesen, zwei meiner Lieblingsfilme von 2025.

Wenn das alles nicht reichen würde, dann würde ich den Film rein schon wegen der Szene mit dem Hubschrauber beim Finale empfehlen, ich habe es geliebt (und die Sequenz gleich drei mal hintereinander angesehen). In Summe also für mich ein rund um gelungener Spaß und auf das Genre bezogen steht er eindeutig eine Stufe über den üblichen, für Streaming-Dienste erschaffenen Produktionen.

„Heads of State“ bekommt von mir 8/10 die Köpfe zusammen steckende und so die feindlichen Köpfe viel effizienter einschlagen könnende Empfehlungspunkte.

Anders in Japan: Zwei Brüder, die einen strengen Vater haben und ein Verrat führen dazu, dass sich alles ändert. Jahre später bricht ein Ninja in den Palast ein. Der will Rache nehmen und räumt dafür Dutzende Wachen aus dem Weg. Das ruft einen Predator auf den Plan, denn dieser Kämpfer scheint würdig zu sein.

Und im zweiten Weltkrieg bekommt es die Luftwaffe mit einem Predator-Raumschiff und dessen überlegener Technik zu tun. Was können alte Flugzeuge schon gegen ein modernes und technisch hochüberlegenes Raumschiff ausrichten?

Und am Ende bleiben drei Gefangene aus drei Zeitepochen. Und für die gibt es einen Plan …

Dan Trachtenberg hat ja mit „Prey“ den nach allgemeiner Meinung besten „Predator“-Film seit langem (manche meinen sogar, seit dem Erstling) gedreht und einen Überraschungshit gelandet. Ich selbst fand „Prey“ auch ziemlich gut in seiner Gesamtheit, was allerdings am meisten hängen blieb sind Action-Szenen, die ich in der Form noch nicht gesehen hatte. Mit Pfeil und Bogen im Nahkampf gegen einen Predator … das gab es noch nie war richtig cool und spannend inszeniert.

Und jetzt gibt es einen weiteren Film aus der Franchise von ihm und ich kann gleich mal sagen: Hut ab! Der Mann begreift scheinbar, wie Predator-Filme sein müssen. Ich muss gestehen, skeptisch gewesen zu sein, ob ein animierter in Klein-Storys heruntergebrochene Segmente wirklich was hermachen kann, aber ja, das tut er.

Die 3 Teile (oder 4, wenn man das Finale mitzählt) sind sich in ihrem Aufbau zwar sehr ähnlich, aber in ihren Set-Pieces unterschiedlich genug, dass es nie langweilig wird und vor allem kommen die Macher:innen mit immer neuen Ideen um die Ecke.

In „The Shield“, der ersten Episode etwa, da kommt es zu einem sehr kreativen Kampf mit dem Predator, der nur gewonnen wird, weil Ursa einfach nicht nur eine brutale, sondern auch eine kluge, Kämpferin ist, die ihr Köpfchen nutzt und ihren Feind aufmerksam beobachtet. Apropos brutal: Hui, was hier abgeht würde in einem Live-Action-Film eh nicht gehen – da werden Menschen zerteilt, zerstückelt, geköpft, aufgespießt und was weiß ich was sonst noch alles. Wer zimperlich ist, muss hier einen Bogen machen. Das wird allerdings nie per se zelebriert, sondern passiert als Mittel zum Zweck und es macht ordentlich Laune.

Bei „The Sword“ fand ich es extrem spannend, dass im Grunde, bis zum Ende der Episode, nicht gesprochen wird. Die gesamte Story wird ohne Dialoge erzählt, aber man erkennt allein schon durch die Mimik und die Taten der Handelnden was los ist, wer was denkt und was vorhat. Das war schon ganz großes Kino. Auch die Kampfchoreografie muss ich erneut loben: Die ist hier erste Sahen inklusive all des technischen Schnickschnacks, den der Predator benutzt.

Die dritte Episode „The Bullet“ ist zwar für mich klar die schwächste, denn sie setzt auf einen typischen, viel quatschenden Jüngling, wie man ihn in viel zu vielen Filmen sieht und hier fällt auch so richtig auf, wie viel „Plot Armor“ die Protagonist:innen eigentlich haben (Plot Armor bedeutet, dass sie Dinge überleben, einfach weil sie die Hauptfiguren sind. Alle Nebenfiguren wären bei gleichen Aktionen draufgegangen) und manchmal ist die Sache schon extrem übertrieben. Aber alles in allem: Ein Predator-Raumschiff gegen eine Propeller-Maschine aus dem ersten Weltkrieg, nun, das hat man auch noch nie gesehen.

Das Finale als vierte Episode war dann klassische und erwartet, aber auch hier halt: Sehr viel Plot Armor. Wie dem auch sei: Spannend und actionreich war es allemal und das Ende lässt zwar viel offen, zeigt aber auch, was hier noch alles kommen könnte.

Auch wenn ich bis zum Ende nicht verstanden habe, wie die Predatoren die Personen aus mehreren Zeitlinien gleichzeitig eingesammelt haben, aber das hab ich vielleicht überhört und außerdem war es mir auch egal – der Film war mitreissend und Logik ist ohnehin bei Filmen wie diesen überbewertet.

Die Optik ist grandios, die Animationen geschmeidig und das Art-Design, vor allem der Predatoren, grandios gut geworden. Auch die Sound-Effekte, die bei einem Predator-Film ja sehr wichtig sind, waren wuchtig und punktgenau.

Alles in allem bin ich gespannt wie es weitergeht und ich bin – trotz des ersten nicht sehr überragenden Eindrucks vom Trailer – jetzt viel positiver und viel mehr gespannt auf „Predator: Badlands“. Schauen wir mal.

„Predator: Killer Of Killers“ bekommt von mir 8 von 10 möglichen, actionreiche und die Predator-Franchise toll erweiterende, Punkte.

Radiomoderatorin Stevie (Adrienne Barbeau) bekommt das mit und macht sich Sorgen. Währenddessen kommt Elizabeth (Jamie Lee Curtis) nach Antonio Bay und freundet sich mit Nick Castle (Tom Atkins) an.

Und Vater Malone (Hal Holbrook) findet ein altes Tagebuch der Gründerväter, welches ein schlimmes Geheimnis offenbart, welches sich auf die Gründung von Antonio Bay bezieht und das vermuten lässt, dass das „Etwas“ in diesem Nebel Blut sehen will …

Hach, hat das gut getan. Nachdem ich mir das Remake von diesem Film hier angesehen habe musste ich mir das Original nochmals anschauen und … ich wiederhole: Hach, hat das gut getan. Ja, so macht man das. So macht man aus einer an sich dünnen Geschichte einen netten, kleinen Horrorfilm, der an den richtigen Stellen kickt und mitreisst. Das liegt sicher auch der Spielfreude von Jamie Lee Curtis und ihrer Mutter Janet Leigh, die hier beide dabei sind, aber auch an Kalibern wie Hal Holbrook und George „Buck“ Flower. Egal, wie klein die Rollen sein mögen – hier gibt man alles.

John Carpenter ist halt einfach ein Meister seines Fachs gewesen und hat auch 1980 schon gewusst, wie man mit wenig Budget coole Filme zaubert. Damit ich nicht missverstanden werde: „The Fog“ ist sicher kein Film, der per se ein Meisterwerk darstellt oder irgendwelche Preise gewinnen würde. Das war aber auch niemals die Absicht, kann ich mir zumindest nicht vorstellen. Was aber sicher Absicht war, war hier einen Film zu zaubern, der gruselig ist, Atomsphäre atmetet und dann noch dazu die richtigen Mini-Twists zur richtigen Zeit in die Story einbaut.

Ja, der Twist ist vermutlich längst bekannt, aber dennoch – Hut ab. Das hier ist spannend, die Figuren mag man und manche Dialoge sind einfach großartig – einfach, aber effektiv. Apropos Effekte: Ja, die sind klar aus den 1980 und können mit den Maskenbildnern von heute nicht mehr mithalten, aber andererseits weiß man ja, dass weniger oft mehr ist und wenn ich hier die Zombieschatten im Nebel mit den rot glühenden Augen sehe, dann wird mir mulmiger im Bauch als bei jeder CGI-Orgie, ganz ehrlich.

Interesant auch, dass der Film völlig ohne Blut auskommt (es kam trotzdem zu einem Jugendverbot bzw. einer Freigabe ab 18) und wer gut zuhört, der oder die kann viele Querverweise bzw. Easter Eggs im Film finden. So werden zum Beispiel Ortsnamen verwendet, die auch H.P. Lovecraft gerne mal verwendet hat oder auch Bodega Bay (Schauplatz von „Die Vögel“) kommt vor. Fand ich eine nette Verbeugung vor diesen Filmen.

Adrienne Barbeau hat übrigens die Hauptrolle, weil John Carpenter die Rolle bzw. mehr oder weniger den Film für sie geschrieben hat – die beiden waren zur Zeit der Dreharbeiten verheiratet.

Wie dem auch sei: Der Film ist ein Slow-Burner und dreht gerade im Finale (auch emotional) nochmals ordentlich auf. Ich habe den Film zum ersten Mal irgendwann in den 90iger Jahren gesehen und war damals völlig begeistert. Es war einer der ersten Horrorfilme, die ich gesehen habe. Und ich muss gestehen: Auch 2025 macht der Film immer noch ordentlich was her. Ja, das Schauspiel ist halt so gut, wie es 1980 Standard war und ich bin mir nicht sicher, ob man manches auf heutigem Niveau als „großartig“ bezeichnen würde, aber in Summe funktioniert alles prächtig. Und immer noch besser als ein paar dieser „auf alt gebürsteten“ Filme. Ich sehe ihn deine Richtung „Prom Queen„.

Wer also nichts gegen handgemachte Effekte hat, Altstars in einem kleinen, gemeinen Horrofilm sehen will und den Twist noch nicht kennt: Ansehen. Auch wenn ihr den Twist kennt: Ansehen.

„The Fog (1980)“ bekommt von mir immer noch 8 von 10 möglichen, aus seinen geringen Mitteln das meiste herausholende, Punkte.

Hilda ist auf der Suche. Und zwar nach der zehnten Legion und ihrem Vater, denn der ist der Anführer. Die Truppe ist nach Aphes aufgebrochen, denn dort hat Asterigos – der Fluch der Sterne – dafür gesorgt, dass die meisten Einwohner:innen sich in Monster verwandeln. Zumindest, wenn sie die Droge Sternenstaub nicht nehmen und davon ist ohnehin nie genug für alle da.

Schuldig ist Eumenides, einer der höheren Kaste der Stadt, der irgendwie irgendwas bei einem Ritual oder so verbockt hat. Mysteriös das Ganze.

Aber es gibt Widerstand: Seine ehemalige Geliebte Minvera scharrt Widerstandskämpfer und -innen um sich, um ihn aufzuhalten und den Fluch zu brechen. Aber kann Hilda ihr vertrauen? Und was mit dem seltsamen Kult, der sich in der Stadt breit gemacht hat? Und dem Verbrechersyndikat im Armenviertel und warum sind alle noch lebenden Politiker in der Stadt irgendwie nur auf ihre eigenen Vorteile bedacht? Und … sind das Werwölfe?!

Hat Hilda sich überhoben? Kann sie die Herausforderung meistern und ihren Vater retten?

Ich sag es ehrlich: Das Cover-Bild und der Trailer haben mich abgeholt also hab ich mir Asterigos gekauft. Und nach zwei oder drei Stunden wieder damit aufgehört, denn ich war hoffnungslos verloren. Und ich meine das nicht vom Schwierigkeitsgrad her oder von der Story zu verwirrt, nein – ich habe mich schlichtweg dermaßen oft buchstäblich in Aphes verlaufen, dass ich das Interesse verloren habe.

Der Grund: Weil es in „Asterigos“ keine Map gibt. Gar keine. Und gerade das erste Gebiet nach dem Prolog bzw. der Ankunft in der Stadt hat für mich einfach zu gleich ausgesehen. Ich war wirklich verloren. Also hab ich’s weggepackt.

Aber nach ein paar Wochen habe ich mir dann doch gedacht, ich schau nochmals rein, denn – man weiß es nicht – „Horizon: Zero Dawn“ war im ersten Anlauf auch nicht mein Ding. Und dann hat es „klick“ gemacht. Manchmal muss halt die Stimmung zum Einstieg passen.

Beim zweiten Anlauf hat es dann geklappt. Lag vielleicht auch daran, dass ich erst beim zweiten Anlauf gecheckt habe, dass es in den Gebieten Symbole gibt, die den Weg weisen. Tja. Wer aufmerksam ist, ist klar im Vorteil. Ich kann mich zwar nicht erinnern, dass das Spiel mir das mit den Symbolen gesagt hat, aber ganz ehrlich: Kann man schon von allein draufkommen. Und ja, es ist diese Art Spiel: Auf viel muss man einfach selbst draufkommen. Dazu später mehr.

Was hat mich an „Asterigos“ von Anfang an genug gereizt, dass ich mir dachte, ich versuche es nochmals? Nun, die Optik. Die comichafte, klare und farbenprächtige Grafik – das Design von Hilda und den Figuren, das Setting – eigentlich so gut wie alles, wenn ich ehrlich bin. Das Kampfsystem, die Dialoge (die manchmal allerdings ein „klein wenig“ ausufern) und die Figuren mitsamt der Story, die dann nach einem eher zähen Anfang ziemlich cool wird.

Ich war mir zum Beispiel bis zum Ende nicht sicher, ob Minerva und ihre Kumpan:innen nicht vielleicht in Wahrheit die Bösen sind – immerhin trifft man Eumenides mehrmals während des Spiels und nun, was soll ich sagen? Er klang in seinem Anliegen die Stadt zu retten immer ehrlich.

Man trifft während des Spiels viele weitere Charaktere und alle sind fein geschrieben – ja, es sind wie üblich ein wenig Stereotypen, aber allesamt sind sie sympathisch und man verbringt gern Zeit mit ihnen.

Dazu kommen die Bossfights, die allesamt gut inszeniert sind, die Gegenspieler:innen fein aufbauen und auch nicht allzu schwer sind. Man merkt einfach die gesamte Zeit, dass das Spiel mit viel Herzblut gemacht wurde. Die Animationen von Hilda sind eine Augenweide und geschmeidig und – die Gute ist mir sehr rasch ans Herz gewachsen. Ich mochte das freche Mädel einfach, die sich einerseits nichts gefallen lässt, aber das Herz am richtigen Fleck hat. Das ist ein schmaler Grad und gefährlich zu sehr in die eine oder andere Richtung zu kippen, aber in diesem Fall ist die Balance gut gelungen.

Aber vielleicht ein paar Schritte zurück: „Asterigos“ ist ein im Verhältnis leichtes „Soulslike“. Ausweichen, Parieren, zuschlagen, schwache und starke Angriffe inklusive Skilltrees, Erfahrungspunkten und allem drum und dran.

Was ich auch super fand: Man hat von Anfang alle Waffen zur Auswahl, die da lauten: zwei Dolche, Speer, Hammer, Schwert mit Schild, Zauberstab und Armbänder, die wie magische Schlagringe funktionieren. Je nach Spielstil kann man natürlich diverse Spezialattacken und Zauber freischalten und alle haben ihre Vor- und Nachteile, haben sich in meinem Fall aber sehr oft als lebensrettend erwiesen.

Die Kämpfe sind flott, dauern nie zu lange und sind auch für Anti-Soulslike-Typen wie mich schaffbar gewesen. Und ich habe mich immer über neue Bosse gefreut, weil sie einfach vom Grafikstil her super aussehen. Wirklich nämlich. Vor allem in Bewegung.

Hilda hat ein Amulett mit welchem sie Speicherpunkte freischalten kann, die später auch zur Schnellreise dienen. Allerdings erst nach gut der Hälfte des Spiels, da gibt es dann auch eine Karte, auf welcher man die Schnellreisepunkte anwählen kann und die man auch ein wenig zur Orientierung nutzen kann. Trotzdem ist die fehlende Landkarte in meinen Augen das einzige wirklich große Manko von Asterigos. Das hat mich bis zum Ende stark genervt und wurde auch nie besser. Mir hätte eine Karte – im besten Fall vielleicht sogar eine, auf der ich selbst für mich wichtige Punkte markieren kann – sehr geholfen und das Spiel nochmals eine Stufe höher gehoben.

Aber – es gibt keine. Ist so. Die Speicherpunkte sind natürlich auch die Respawn-Punkte und wenn Hilda stirbt, wird sie dort wiedererweckt inklusive aller Gegner, die ihr bis dahin ausgeschaltet hattet. Was aber kein großes Thema ist, weil die Speicherpunkte gut verteilt sind.

Von einer Mission abgesehen, die einer Mine spielt – das war auch leicht nervig, weil die Sprungsteuerung von Hilda nicht so punktgenau funktioniert, dass man auch hin und wieder mal vorbeispringt und abstürzt. Aber das war zu verkraften.

Vielleicht sollte ich noch anmerken, dass das Spiel euch in seinem Lauf immer wieder neue Mechaniken präsentiert, diese aber nicht erklärt. Irgendwann findet ihr seltsame Wände und wenn Hilda vor ihnen steht, dann ist plötzlich ein X eingeblendet mit dem Wort „climb“. Und von da an muss man öfter klettern. Oder ihr trefft auf Kisten, die ihr öffnen könnt und die wichtige Items enthalten zum Aufleveln und so weiter. Plötzlich sind da Kisten, die von einem glänzenden Licht umgeben sind und die ihr nicht öffnen könnt. Na gut. Ist so. Oder Feuer versperrt euch den Weg. Pech gehabt.

Es sei denn ihr versucht die Kisten mit einer von euren Elemtarfähigkeiten (die ihr locker flockig umschalten könnte, wenn ihr sie mal erhalten habt) draufhaut und siehe da: Das Schutzschild bekommt Risse und dann bricht es. Also könnt ihr sie öffnen. Und das Feuer? Rüstet den Zauberstab mit dem Eis-Element aus und löscht sie, schon könnt ihr durch. Kann man schon selbst draufkommen. Und das meine ich durchaus so, wie ich es schreibe. Das Niveau bzw. die Balance zwischen Spieler:innenführung und selbst draufkommen wird gut gehalten und erneut – war nie frustig.

Vor allem aber möchte ich nochmals anmerken, dass es einfach wirklich Spaß gemacht hat mit Hilda durch die Gegend zu laufen, alles zu erkunden und auch die Kämpfe – optisch alles super. An Hildas Animationen können sich andere Studios gern ein paar Scheiben abschneiden. Hammer, wirklich.

Kurz gefasst: Sollte man spielen. Und wenn ihr das macht, dann werdet ihr irgendwann denken: „Ja, Fireagent hatte Recht mit der Karte“. Aber alles andere? Wundervoll. Ich war sogar an ein paar Stellen richtig gerührt.

Es gibt auch einen DLC für das Spiel, den ich mir auch gegönnt habe und ja, auch der hat wirklich Spaß gemacht. Was ich allerdings ein wenig schade fand, aber das wirklich nur als Randnotiz, ist, dass Hilda nur wenige Kostüme freischalten kann und diese auch teilweise schwer verdient werden müssen. Dafür ändert sich teilweise wirklich ihr gesamtes Erscheinungsbild inklusive Frisur und Co. Fand ich gut, fand ich nett. Wer jedoch eine freizügige Outfit-Collection erwartet, wie sie in „Stellar Blade“ vorkommt: No, sir. Falsches Spiel. Hier ist nichts anzüglich, sondern alles schlichtweg einfach wundervoll comichaft cool.

Hilda rocks.

Und für’s Protokoll: Die Synchronsprecher:innen sind alle top.

„Asterigos: Curse Of The Stars“ bekommt von mir 8 von 10 möglichen, mit Karte wären es 9,5, Punkte.

Nachdem Kratos (Christopher Judge) mit seinem Sohn Atreus (Sunny Suljic) die Asche der verstorbenen Frau bzw. Mutter vom höchsten Berg der Neun Reiche verstreut hat, sind viele Dinge passiert.

Die Erkenntnisse, die sie am Weg entdeckt haben – nicht zuletzt wer Atreus eigentlich ist – und die Freunde, die sie dabei gemacht haben – ja, Kratos + Freunde, man glaubt es kaum – legen den weiteren Weg fest.

Atreus will herausfinden, was seine wahre Identität bedeutet und wie er in Ragnarök passt. Währenddessen legt Kratos alle darauf aus, seinen Sohn zu schützen und die beiden laufen Gefahr sich immer weiter von einander zu entfernen. Währenddessen macht Freya aufgrund ihrer Taten am Ende des Vorteils Jagd auf die beiden … und als wäre das nicht genug tauchen auch noch Odin und Thor auf, um die Sache ein wenig komplizierter zu machen …

Es gibt keinen Weg drum herum, deshalb halte ich es gleich fest: „God Of War Ragnarök“ ist storytechnisch ein Wahnsinn und richtig großartig. Spieltechnisch gibt es allerdings eine ganze Menge, die auf der Stelle tritt und tatsächlich weiß ich dank des Spiels was „Wiederholung“ bedeutet. Im Spielverlauf meine ich.

Man kann den Macher:innen nicht vorwerfen, dass sie nicht Ideen einfließen lassen, die das Spielgefühl bzw. das Gameplay ändern und variieren sollen, aber tatsächlich fühlt sich alles gleichförmig an. Es ist immer das gleiche. Ob ich nun mit den Chaosklingen durch die Gegend springe oder an markierten Punkten klettere … es macht keinen Unterschied. Die paar Rätsel, die vorkommen verdienen diesen Namen nicht und ob ich die Gegner mit der Leviathan-Axt oder den Chaosklingen oder mit neuen Waffen zu Klump haue – es ist alles gleich.

Man könnte es kurz sagen: Kratos kann halt einfach nichts. Er kann kämpfen. Punkt. Mehr kann er nicht. Es gibt nur den direkten Weg: Reinhauen. Reinstürmen. Reinfallen. Reinspringen. Kämpfen. Und ja, es gibt natürlich ein paar Variationen bei den Gegnern, aber ganz ehrlich – man braucht, von ein paar optionalen Bossen abgesehen – keine Variation.

Es gibt sogar eine Szene, in welcher Mimir Kratos vorschlägt, ob sie nicht mal vielleicht einen anderen, leiseren Ansatz wählen sollten, um weiterzukommen. Seine Antwort, kurz, prägnant und bündig: „Nein.“

Und tja. Das ist es dann auch. Ja, okay, die Steuerung wurde im Vergleich zum ersten Teil verbessert. Kratos spielt sich eine Spur dynamischer und dieses Mal spielt man sogar nicht nur ihn, aber im Kern ist das gleiche Spiel mit neuen Umgebungen.

Grafisch kann man dem Spiel nichts vorwerfen – es sieht fantastisch aus. In Bewegung noch mehr als im Standbild. Immer bewegt sich was, laufen Tiere durch das Bild, blubbert irgendwo was, bewegen sich Dinge im Wind – also ehrlich, es sieht richtig, richtig gut aus und allein die neun Reiche zu durchqueren ist schon großartig. Und es gibt sogar später im Spiel eine komplette Region(!) die optional ist und viele Nebenquests bietet. Fand ich spannend, denn diese komplette Region kann man tatsächlich einfach übersehen – man braucht nur eine bestimmte Nebenquest nicht annehmen. Fand ich mutig.

Trotzdem ist das Spiel ein Hammer – allerdings – und das meine ich ganz genau so wie ich es schreibe – muss man sich teilweise durch wirklich langatmige und in meinen Augen gestreckte und vollgestopfte Belanglosigkeiten arbeiten. Und für mich hat es sich wirklich wie Arbeit angefühlt.

Was die ganze Sache aber die Mühe wert macht: Die Story. Die Figuren. Die Dialoge. Die Inszenierung von wichtigen Momenten. Das war alles ein Hammer. Das war richtig, richtig großes Kino. Ob es die Eröffnung mit der Fahrt im Hundeschlitten ist, die in einem Angriff von Freya endet – richtig gut inszeniert – oder ob es sich um einen Kampf gegen einen Riesenwolf handelt (und wie genial dieser aufgelöst wird) oder diverse andere Storyentwicklungen, die wirklich Emotionen geweckt haben – den einen oder anderen Twist den man nicht kommen sieht, Allianzen, die zuerst unmöglich erscheinen und dann doch kommen und der Mut wie eine ganz bestimmte Storyline endet … das alles hat mir doch mehrmals eine Gänsehaut über den Rücken gejagt.

Das alles wird zusammengenhalten von großartigen Dialogen und Figuren, die allesamt mehr sind als Abziehbilder und die herrlich miteinander interagieren – man nehme allein die beiden Zwerge, die sich ja permanent … sagen wir mal „necken“ und den Dingen, die Sindri dann über seinen Bruder offenbart – wo ich schon mal mit offenen Mund vor dem Bildschirm gesessen bin – bis zu den Punkt wie diese Story endet. Gänsehaut und ein Wahnsinn. „Is this more or less what you had in mind?“, sag ich nur. Wahnsinn. Leg dich nicht mit perfektionistisch veranlagten Zwergen an wenn sie noch dazu Erfinder sind, sag ich nur. Generell war die Entwicklung von Sindri für mich eine der bestgeschriebenen Storylines seit Jahren und glaubt mir: Die Machen trauen sich in richtig düstere Gefilde. Gänsehaut pur.

Auch die Beziehung zwischen Kratos und Atreus ist großartig geschrieben und auch diese Story endet sehr zufriedenstellend. Kratos macht eine richtig tolle Entwicklung durch und es gibt viele, sehr viele einfühlsame Momente, die mich alle durch die Bank abgeholt haben. Mag daran liegen, dass ich selbst einen Sohn habe und mir die ganzen Emotionen, zusammen mit Kratos Anliegen seinen Sohn vor aller Gefahr zu schützen, vielleicht nicht zur Gänze unbekannt sein mögen. Vielleicht. Hab ich gehört. Oder so.

Auch die Geschichten von Thor oder die Figur bzw. Interpretation von Odin: 1A. Mit perfekten Synchronsprecher:innen. Hier stimmt alles zu einhundert Prozent. Absolut.

Dennoch war es rein(!) die Story, die mich am Weiterspielen gehalten hat. Nach einiger Zeit habe ich dann alle Nebenquests, die mit Sammelaufgaben oder optionale Bosskämpfe betroffen haben aber nichts zur Story beitrugen einfach links liegen gelassen. Ich bin einfach nicht dafür geschaffen, mir irgendwelche Boss-Fights zweihundert mal zu geben und das sogar auf dem einfachsten Schwierigkeitsgrad. Nein, danke. Ich mag mich nach Feierabend nimmer ärgern.

Ist „God Of War Ragnarök“ also das vielgepriesene Meisterwerk? Von der Story und ihrer Inszenierzung her: Ja. Vom Gameplay? Nein. Ich kann es nur wiederholen: Kratos kann halt einfach nichts. Punkt. Repetitiv ist wohl das Wort der Stunde. Und ja, mag sein, dass andere das anders empfinden, aber mich hat vieles rundherum einfach irgendwann nur noch genervt. Das mögen andere anders empfinden, mir ging es jedenfalls so.

Kann ich das Spiel dennoch empfehlen? Absolut. Allein die Story zu erleben ist alles rundherum wert. Und wer tatsächlich an den Kämpfen und der (mühsamen) Erkundung Spaß hat, der oder die bekommt unzählige Stunden an Mehrwert, weil das Spiel tatsächlich riesig ist.

„God Of War Ragnarök“ bekommt von mir 8 von 10 möglichen, wäre es kompakter und storymäßig kompakter ohne die gestreckten Abschnitte, würde ich noch 1,5 Punkte draufschlagen.

Eine Nacht voll mit blutigen Zwischenfällen beginnt, wobei sich Walker nicht nur gegen Anhänger der Triaden und korrupte Cops verteidigen muss, sonder mit Ellie (Jessie Mei Li) auch noch eine Rookie-Partnerin zugeteilt bekommt, die er überhaupt nicht kennt und sich angesichts der Lage, dennoch hundert prozentig auf sie verlassen können muss…

Bei dem Namen Gareth Evans (Regisseur der beiden The Raid Filme), reagieren Action-Fans sofort mit Neugier. Sein neuester für Netflix produzierter Streifen, wurde eigentlich bereits 2021 gedreht, doch Nachdrehs waren nötig, die wiederum durch die damaligen Streiks verzögert wurden. Ende April 2025 war es dann endlich soweit und Evans Hommage an die asiatischen Bloodshed Filme der 90er Jahre, erblickte das Licht der Streaming-Welt.

Wer nur Raid im Kopf hat und mit dem Begriff Bloodshed nichts anfangen kann, hier eine kurze Aufklärung, nur damit die Erwartungshaltung richtig eingestellt ist. Dies ist kein Martial Arts Film, hier werden Körper mit Schusswaffen durchsiebt. Sicherlich wird auch gekämpft ohne zu schießen, aber das ist nicht der Schwerpunkt und hat nie einen „jetzt kommt der große Kampf“ Charakter, sondern dient nur dazu, dass der Antiheld weiter kommt und seine Verfolger los wird.

Der Film hat mich dann vor allem gepackt durch die Atmosphäre (und dabei ist es zusätzlich noch ein Weihnachtsfilm). Psychologisch ist die Sache eine einzige Flucht vor vergangenen Entscheidungen und ein Verfolgen von Möglichkeiten, hier wieder raus zu kommen. Unabhängig vom Darsteller, zu dem ich später noch komme, ist das ein perfekter Aufhänger, um mit ihm mitfiebern zu können denn so gut wie jeder hat ja schon Entscheidungen getroffen, die er im Nachhinein bereut. Ich erwähne das nur, weil ich auch Emotionen hinter dem Eye Candy gespürt habe.

Dies ist auch kein Daueraction-Film (was leicht langweilig werden kann), sondern baut sich mit gut platzierten Shootouts/Fights zu einem Finale auf, dass es vom Einsatz an Kunstblut, in sich hat. Man spürt die Kugeln förmlich selbst und wie die Getroffenen fallen, das hat etwas von einem schrecklich schönen Tanz. Auf Netflix bezogen ist dies dann auch abgesehen (oder auch neben) den Extraction Filmen, der mit Abstand beste Action-Film des Streamers.

Tom Hardy (Venom Trilogie) als Walker, geht gegen seine Gegner mit dem Charme einer Abrissbirne vor und ist dennoch zutiefst menschlich, wenn er etwa um einen Platz im Leben seiner Tochter kämpft und man ihm anmerkt, wie unwohl er sich in seiner Haut fühlt. Ihm mit Jessie Mei Li (Last Night in Soho) als Ellie eine junge Polizistin zur Seite zu stellen, finde ich dabei klassisch und clever zugleich, denn sie zeigt Feuer, Kampfgeist und trifft Entscheidungen, die ihr Alter an Weisheit klar übersteigen.

In Nebenrollen veredeln gute Männer in bekannten Rollen ihre Parts, etwa Timothy Olyphant (Hitman) als (natürlich) korrupter Cop oder Forest Whitaker (Southpaw), der wie Hardy kaum den „Vater des Jahres“ Award bekommen wird und dennoch gerne die Beziehung wieder hinbiegen würde. Die Darsteller des flüchtenden Pärchens kannte ich nicht, die machen das ebenfalls gut, aber dass ihnen nichts passiert wollte ich persönlich nur, weil es Walker und Ellie verhindern wollten, was wiederum für die beiden spricht.

In Summe also ein Trip, der mitreißt und involviert und mit einem Tom Hardy überzeugt, der nicht nur physisch alles gibt. Der Einsatz der CGI-Momente hat mich dabei nicht gestört und in Sachen Intensität, muss man in diesem Genre länger suchen, um etwas gleichwertiges zu finden. Übrigens: wer von Evans ein vergleichbares Feuer-Ballett bzw. eine Fingerübung für diesen Film sehen möchte, der sollte sich seine Gangs of London Serie ansehen und zwar speziell die fünfte Folge der ersten Staffel (ist auch gleichzeitig die beste Staffel), das ist ebenfalls großes Kino.

„Havoc“ bekommt von mir 8/10 ohne Kompromisse die Sache zu Ende bringende Empfehlungspunkte.

Belmont, Anette und Alucard machen sich währenddessen in Paris auf die Suche nach einem Teil der Seele des Vampirmessias bzw. nach dessen Sarkophag, denn dieser könnte der Schlüssel zur Verhinderung des Weltuntergangs sein, während Marie und Juste Zuhause versuchen zu retten, was zu retten ist. Falls es überhaupt noch etwas zu retten gibt …

Nach dem actionreichen und doch eher emotionalen Ende von Staffel 1, welches die Heldentruppe quasi geschlagen und handlungsunfähig zurückgelassen hat, gibt ihnen Staffel 2 mit Alucard einen neuen Verbündeten in die Hand, der dann doch wieder die Hoffnung weckt.

Und was Staffel 2 auch macht und für mich völlig überraschend war: Sie gibt speziell der Bösewichtin Drolta viel Raum für eine Hintergrundgeschichte inklusive der Frage, wieso sie so mit dem Vampirmessias verknüpft ist. Und das war tatsächlich sehr emotional – speziell die ersten Szenen, in denen ihre Vampirwerdung gezeigt wird.

Die Kämpfe sind gewohnt actionreich und cool choreografiert – gerade die Doppelfolge am Ende der Staffel ist quasi ein Feuerwerk aus Dauerkampf und das sieht schon alles richtig, richtig gut aus – vor allem wirklich ein Lob an die Leute, die sie sich sowas ausdenken. Die Kämpfe (man achte auf die Mehrzahl) dauern wirklich lange und dass sie nie langweilig werden sondern spannend bleiben, fußt auf zwei Dingen:

a) Der Optik und der Choreografie. Auch wenn man den finalen Kampf vielleicht ein wenig zu sehr gestreckt hat, denn wie oft kann ein Held am Ende seiner Kräfte sein, nur um nochmals aufzustehen und den Spieß scheinbar umzudrehen?. Das funktioniert halt nicht fünf Mal hintereinander im gleichen Kampf bei der gleichen Person. Hier war es gerade noch okay, aber schon sehr, sehr nah an der Grenze.

Und die leichten „Dragonball“-Posen passen für mich auch besser in ebenbesagtes Franchise und nicht hierhin. Aber das ist sicher Geschmackssache. Trotzdem: Hut ab und Respekt vor allem vor jenen, die sich diese Choreografien ausgedacht haben!

und b) Mir waren als Zuseher die Figuren nicht egal. Das liegt daran, dass der Fokus nicht nur auf die Hauptfigur gelegt wird, sondern auch andere ihre Screentime bekommen. Teras Entwicklung zum Beispiel ist spannend bis zum Ende. Oder vor allem Mizrak, der sich zu einem richtig coolen, vielschichtigen Charakter entwickelt – inklusive ambivalenten Ende.

Das hat mir schon alles richtig gut gefallen. Auch Maries Entwicklung fand ich gut – vor allem in Kombination mit Juste, Richters Großvater. Also die Macher:innen bzw. Drehbuchautor:innen haben in meinen Augen ein ganz gutes Händchen für die Aufsplittung in Teams und die konfliktreiche Zusammensetzung ebendieser Teams gehabt. Ein wirklich harter, überraschender Moment war für mich zum Beispiel nicht was, sondern durch wen und wie dieses „was“ mit dem Abt passiert. Das war ganz großes Kino für mich, weil das den ausführenden Charakter in ein anderes Licht rückt und ganz viel Potential für Veränderung und Dynamiken aufgeworfen hat. Das dann leider nicht zu 100% genutzt und eher rasch abgehandelt wurde, aber dennoch: Wow.

Generell sind es in Staffel 2 die Beziehungen der Charaktere zueinander, die den größten Spaß und die größte Spannung ausmachen. Richters Großvater Juste spielt für mich da ganz vorne mit. Wobei auch Alucard ein paar coole Momente hat. Ich sag nur: „I was getting tired of the Belmonts“ – „Of hanging around you?“ – „Of dying around me“. So sinngemäß.

Der Schwerpunkt verlagert sich immer mehr auf Anette, teilweise vielleicht ein wenig zu sehr, aber in Kombination mit Richter hat es dann für mich gepasst. Die Entwicklung der beiden ist auch schön anzusehen – immerhin meint Anette relativ am Anfang ihres Kennenlernens, dass der Typ ein Loser ist und eigentlich eh nichts kann. Gegen Ende hat man gegenseitig Respekt und Zuneigung – die klassische Heldenreise halt. Funktionierte auch dieses Mal für mich.

Alles in allem kann Staffel 2 meiner Ansicht nach mit Staffel 1 mithalten. Positiv finde ich, dass man mehr Hintergrund und Beweggründe zu den Figuren bekommt. Negativ war, dass es aufgrund der doch hohen Zahl an (interessanten) Figuren dennoch im Kern ein wenig oberflächlich bleibt und ich gerne mehr gesehen und tiefer in ihre Geschichten eingedrungen wäre. Die Figur von Olrox wird zum Beispiel in meinen Augen ein bisschen zu früh „aufgelöst“ in ihren Intentionen. Das Ergebnis war abzusehen, aber doch immer so gemacht, dass ich mir nicht zu 100% sicher war, was er jetzt vorhat. Hat mir gefallen und blieb immerzu nachvollziehbar.

Und ja, dass gefühlt alle Bösewichte nach und nach Superkräfte kriegen kann nerven und wie bereits erwähnt: Die Kämpfe sind ein wenig zu viel „posen“ speziell am Ende und der eine oder andere One-Liner war mehr peinlich als cool, aber auch das fällt in Summe nicht ins Gewicht.

Eine Szene allerdings gab es, die ich so richtig, richtig, richtig peinlich fand: Und zwar eine Szene in welcher Richter auf sein Verliebtsein angesprochen wird, in welcher seine Reaktion gezeichnet wird wie in einem Kinderanime. Ihr wisst schon, so mit roten Backen und strichen auf den Wangen, schrägen Augen und Schweiß, der wegspritzt – ich dachte kurz, wieso ich jetzt bei Pokémon gelandet bin? Das war völlig(!) deplatziert in der Art, wie das gemacht wurde und auch für den Charakter an sich -, aber das bleibt zum Glück ein einmaliger Ausrutscher.

„Castlevaniva Nocturne – Staffel 2“ bekommt von mir 8 von 10 Charaktere ein wenig vertiefende und actionreich abschließende, Punkte.